«Как это устроено»: Пауза и её значение. Японский театр кабуки

Удивительный театр, или Искусство управления тенью 01 сентября 2012, 22:30 | Любовь Козырева

8 выбрали

Она есть у каждого, но вы привыкли ее не замечать. Спешите по своим делам, думая о вечном, а она покорно следует рядом. Еще не догадались? Речь идет о вашей тени – о самом управляемом из неуправляемых явлений. С давних времен люди пытались ее «приручить» и вполне преуспели в этом занятии. Поэтому сегодня я предлагаю вам окунуться в удивительный мир театра, где балом правят тени!

А знаете ли вы, что первые театры теней появились еще во втором тысячелетии до нашей эры в Китае и Индии? Затем воины Чингисхана распространили эту необычную форму искусства по другим странам Азии. В 16 веке театр теней получил широкое признание в Турции. В Европу эти увлекательные шоу проникли лишь ко второй половине 18-го веке. Известно, что сам Гете в 1770-х годах организовывал выступления в театре теней.

Тени воспроизводят фантастические, фольклорные или мифологические сюжеты, но стиль и культурные особенности таких необычных пьес зависят страны, где проводятся выступления. Китайские тени предпочитают исторические сцены, индийские – религиозные или эпические, а турецкие обращаются к комедийному жанру.

Читайте также:  Читать онлайн «Японская цивилизация» автора ЕЛИСЕЕВ Сергеевич Вадим Елисеефф Вадим — RuLit — Страница 98

Мерцают свечи, тихо гаснет день, Театр теней готовит представление: Прочь занавес, на сцене Леди-Тень Чарует нас внезапным появлением. Но мир такой – иллюзия, мираж, Как бабочка, летящая на пламя: Взмах крылышек, затем крутой вираж, И тень исчезла где-то между нами…(с) Неизвестный автор.

Театр теней в Китае

Считается, что именно в Поднебесной появился первый театр теней. Удивительный факт, но благодаря личной трагедии императора, опечаленного смертью жены, возник такой незаурядный вид искусства. Все дело в том, что сановник, наблюдавший как дети на улице играют с собственной тенью, решил подобным образом утешить императора. Правитель был настолько потрясен, увидев «ожившую» тень любимой, что тот час же забыл о скорби.

Довольно быстро театр теней распространился по всем провинциям Китая. Первые марионетки рисовали на рисовой бумаге и уплотняли ослиной кожей. Для управления использовались бамбуковые, деревянные или металлические палочки. В те времена необычный театр называли «Люй Пи-ин», что в дословном переводе означало: «фигурки из ослиной кожи».

Завораживающие представления под традиционную музыку быстро обрели заслуженную популярность. Кукловоды и музыканты работали бок о бок, оживляя народные сказки и притчи. Ныне Китай обсуждает возможность включения национального театра теней в Список Всемирного наследия ЮНЕСКО. Власти подчеркивают, что такой театр – особая форма искусства, имеющая большую историко-культурную ценность.

Театр теней в Турции

Турецкое искусство кукольного театра теней было основано на «экранизации» многочисленных похождений одного персонажа – Карагоза (от тур. Karagöz, дословно «черный глаз»). Он изображался в виде уродливого маленького человечка с большим носом и огромными черными глазами.

Начиная с 16-го века Карагоз – несомненный весельчак и добродушный неудачник – стал частым гостям на праздничных представлениях. Сатирические пьески разыгрывались в частных домах, кофейнях, на улицах и площадях. Но самым любопытным для меня явилось то, что постановки такого театра теней были полной импровизацией!

Позднее один из видов турецкого театра теней так и стали называть – «карагоз». Представления проходили даже при дворе султана. Со временем, благосклонность правителя и народное признание позволили кукольникам организовать свою собственную гильдию. Остроумные сюжеты незамысловатых пьес карагоза были живым воплощением городской сатиры. В настоящее время традиционный театр теней пришел в упадок, его вытеснило кино и телевидение. Ныне выступления карагоза в Турции можно увидеть лишь в праздник Рамадан.

Театр теней в Индонезии

Индонезия свято чтит и очень бережно относится к своим культурным традициям. Одной из них является удивительный яванский театр теней – ваянг кулит (wayang – означает любое зрелище, дословно переводится как «кукла», kulit – «буйволиная кожа»). Разновидностей индонезийского театра несколько: ваянг кулит – с плоскими марионетками из кожи буйвола, а ваянг голек – с объемными. В Джакарте, столице Индонезии, обычно говорят просто «ваянг», имея ввиду привычный нам театр теней.

Считается, что ваянг возник в 11 веке вместе с подъемом индонезийской литературы. С тех пор традиции и особенности «теневых представлений» практически не изменились: зрители садятся по обе стороны экрана, действом управляет один человек (даланг), а повествование сопровождается игрой оркестра (гамелана).

Ки Мантеб Сударсоно (Ki Manteb Sudarsono) – один из самых известных далангов в современной Индонезии. Только представьте, что его рекорд по продолжительности непрерывного показа составляет 24 часа и 28 минут! Ки Мантеб отзывается о своей работе так: «Я вообще считаю, что ваянг – не для дураков. Он для умных, для интеллектуалов. Ваянг заставляет думать. Глядя в телевизор, думать не надо: палец покажут, и уже смешно. В ваянге такое невозможно, там надо размышлять, чувствовать…»

Театр теней в современной России

А что же у нас? Увы, театр теней в России – редкий жанр. Традиционным считается кукольный театр, где главные действующие лица – марионетки, а не их тени. В 1920-е годы персонажей театра теней создавали известные художники-кукольники Иван Семенович и Нина Яковлевна. Чуть позже, в 1937 году, был основан уникальный «Московский театр теней». Практически все приемы для его постановок были заимствованы у традиционного китайского театра.

Читайте также:  10 прыжков с помоста Киемидзу-дэра

Наши «теневые» представления ориентированы на юных зрителей. Спектакли российских театров теней опираются на народный фольклор, сказки, басни и т.п. Несомненно, одно: такое необычное развлечение всегда интересно и детям, и взрослым. Всем известные сказки – «Конек-горбунок», «Золотое руно», «Маленький принц» – в новом прочтении выглядят еще более волшебно.

Различные изобразительные приемы с использованием силуэтных, цветных или черно-белых кукол наполняют спектакли театров теней магией сцены. Живое действо не идет ни в какое сравнение с привычной нам мультипликацией. Современные кукольники используют множество необычных эффектов света и тени.

Размышляя на тему театра теней, не могу не отметить, что именно Новосибирск меня вдохновил на изучение такой необычной темы. Оказывается, что мой город также входит в число обладателей уникального театра теней. Конечно, по законам российского жанра, спектакли больше ориентированы на детей, но ради любопытства стоит их посетить и взрослым. Что я обязательно сделаю, а потом поделюсь своими впечатлениями с вами.

А вы бы хотели побывать в настоящем театре теней? Или, быть может, организовать свой собственный, домашний?

Любовь Козырева, специально для Etoya.ru

Использовалась информация с сайтов: https://m-tsyganov.livejournal.com, https://asia-tv.su, www.atamanhotel.com

Фото: https://english.peopledaily.com.cn, https://4.bp.blogspot.com, www.internationalfolkart.org, www.the-nri.com, www.flickr.com, www.trekearth.com, https://armonipark.files.wordpress.com, https://gorod.tomsk.ru, https://myriadofmarionettes.bravehost.com, www.oregonlive.com, www.takefoto.ru

Историческая справка

Появление национального театрального искусства в Японии история относит приблизительно к 7 столетию. Оно пришло из соседних стран Востока: с китайских, корейских, индийских, персидских, тибетских просторов. Во многом театральные представления того времени связаны с религиозными верованиями: шаманизмом, даосизмом, конфуцианством, религией синто, но больше всего – с буддийским учением.

Первыми в Японию пришли два вида искусства:

• гигаку – пантомимы;
• бугаку – танцы.

Они исполнялись во время религиозных празднеств, народных гуляний, а позже завоевали отдельную сцену, став своего рода театром. Гигаку просуществовал до 10 столетия, но потом его свергли с театральных подмостков другие, более изощренные виды пантомим. Бугаку же существует до сих пор.

Театральные таланты передавались из поколения в поколения: часто дети актеров наследовали их профессию, и образовывалась целая династия. Благодаря этому весь мир может познакомиться с шедеврами этого искусства и узнать самобытную японскую душу через призму театра.

Роковой XX век

Большой удар по кабуки нанесли и войны: японо-китайская и русско-японская. Вокруг этих событий было столько ажиотажа, что тут же вылилось в искусстве: начиная с газетных статей, заканчивая театром.

Пьесы для кабуки стали поступать не только от Мокуами и Каватакэ, но и от других литераторов, которые до этого никак не были связаны с театром. Мэйдзинская версия театра кабуки окончательно исчезла в первое десятилетие XX века. Во всю развернулась борьба между Литературным обществом и Свободным театром.

Читайте также:  ПутешествияОт деревни лис до пляжа свиней: Места, которые захватили животные

Постепенно кабуки стал терять свой привычный облик: появились новые актёрские приёмы, которые разбавляли традиции старой школы. Более того, появилась , которая прибрала к рукам все токийские театры. Кабуки перестал быть народным театром, окончательно став коммерческим.

Япония, долгое время пребывавшая в изоляции от остального мира, открыла для себя много нового, в том числе и в искусстве. XX век для театра кабуки стал роковым, постоянно приходилось бороться с европейскими видами театра: оперетта, массовый театр, кино и т. д. Всё это отодвинуло его на второй план, оставив ему небольшую нишу среди других видов традиционного театра: ноо, бунраку и других.

Виды японского театра

Традиционный японский театр практически не изменился спустя века. Единственное преобразование заключается в том, что представление теперь длится гораздо меньше – около 2 часов вместо 5-6, а сами сцены, герои, события стали динамичнее.

Существует несколько любимых в Японии видов театра:

• Но, он же Ногаку – представления для аристократических слоев;
• Кёген – театр толпы, показывающий комедийные сцены их жизни простого люда;
• Кабуки – для обычного народа;
• Бунраку – театр кукол;
• театр теней.

Конечно, современность диктует свои правила, и сегодня в Японии можно насладиться даже современным балетом или послушать оперу. Однако иностранные туристы, да и сами жители страны больше хотят прикоснуться к вечному – традиционному театру.

Женщины в театре

Первые представления кабуки исполнялись женщинами. По сути, первые движения в этом направлении стали глотком свободы для них, ведь они в эпоху средневековья были лишены любых человеческих прав.

Но всё хорошее быстро заканчивается. Дамы лёгкого поведения взяли на вооружение театральные представления трупп кабуки и стали заманивать клиентов в том же духе. Власти не стали мириться с таким положением дел и довольно быстро запретили женщинам участие в кабуки.

Этот запрет дал мощный толчок юношескому кабуки. Во время расцвета женского, он находился в тени, но затем развернулся на полную. Он практически ничем не отличался от женского кабуки: молодые юноши вполне себе сходили за женщин в кимоно и с макияжем. И это тоже пришлось не по нраву представителям власти, поэтому юношеский кабуки также был запрещён.

Гонения продолжились и во время существования мужского кабуки. Но силами народа он вернулся на театральные подмостки. Именно такое рвение сделало его настоящим народным театром и позволило дожить до наших дней. Из-за того, что в пьесах всегда делался акцент на чувствительность, театр постоянно подвергался нападкам, но это лишь укрепляло его.

Театр Но

Театр Но возник в 14 веке и стал особенно популярен во времена известного самурая Токугавы. Так традиционно он стал жанром самураев, правителей и аристократичных особ.

Его изюминка – особые маски и национальные костюмы-кимоно, в которые облачены актеры. Маска не соответствует определенному герою — ее используют для выражения чувств, эмоций, настроения, поэтому один актер может надевать по очереди несколько масок. И маски, и костюмы передаются внутри театра от старших актеров младшим.

В японских театрах сохранилось порядка 200 масок из кипарисового дерева, которые существуют не одно столетие.

Во время представления ситэ – главный герой – рассказывает о своей жизни, о мирных и военных временах, любовных и семейных переживаниях, преступных действиях, демонических проявлениях и противостоянии зла добру. Старым говором ситэ ведет повествование в сопровождении спокойной музыки и хора, а дальше подключаются второстепенные герои.

Большое внимание уделяется жестам – они грациозны и изящны. Восприятие пьесы зависит от конкретного зрителя – он сам додумывает значение многих сцен. Представление длится от трех до пяти часов.

Некоторые моменты Но могут быть неожиданно контрастными: меланхоличные танцы под ритмичную музыку или яркая кульминация сюжета во время полного молчания. Декорации отличаются простотой, чтобы не отвлекать от главного – игры актеров.

Что такое театр кабуки?

Кабуки является одним из трех главных классических театров Японии, таких как Но и Бунраку (кукольный театр) и в ноябре 2005 года был признан нематериальным культурным наследием ЮНЕСКО. В переводе кабуки означает «пение, танец, мастерство». Так же существует еще одно понятие слова кабуки, которое первоначально было образовано от глагола кабуку — нетрадиционный. Изначально это было танцевальное представление с музыкальным сопровождением без какого-либо сюжета, танцы преимущественно носили религиозный характер, со временем концепция кабуки менялась как по форме, так и по содержанию. Театр кабуки это зрелищная форма искусства, она включает в себя замысловатые костюмы, необычный и привлекательный макияж, диковинные парики и самое главное, преувеличенные действия, выполняемые актерами на сцене. В спектаклях используется старинная форма японского языка, который сложно понять даже японцам, поэтому стилизованные отточенные движения актёров служат для передачи смысла, происходящего на сцене.

Учитывая, что театр кабуки многие принципы позаимствовал от кукольного театра бунраку, то и виды постановок здесь те же:

1. Дзидай-моно -исторические пьесы, созданные до периода Сэнгоку (эпоха воюющих провинций, XV-XVII вв.) В период правления сёгуната Токугавы существовала цензура и нельзя было ставить пьесы, основанные на реальных событиях и критиковать сёгунат. Пьесы того времени рассказывали о подвигах воинов и как правило являлись трагедиями.
2. Сэва-моно — пьесы, рассказывающие о бытовой жизни простого народа, созданные после XVII века. Но в основной массе сюжет таких пьес сводился к развитию отношений между главным героем, куртизанкой и её соперницей.
3. Сёсагото — танцевально-драматические пьесы, причем музыка здесь играет большую роль, чем танец, поэтому в постановках используется барабаны, свирель и сямисен (трехструнный музыкальный инструмент). И сегодня по-прежнему большой популярностью пользуются сюжеты с синдзюу — когда влюбленные по какой-то причине (имущественные, общественные и т.д.) совершают двойное самоубийство. Во времена эпохи Эдо такие постановки были запрещены, в силу того, что действие, происходящее на сцене стало плавно перетекать в реальную жизнь.

Кёген

Кёген совсем не похож на театр Но, хотя долгое время он был его интермедией, то есть небольшой комической сценой внутри изысканного представления драматического содержания. Однако после Второй мировой войны Кёген приобрел известность и стал функционировать самостоятельно, в отрыве от Но.

Кёген ориентирован на большую толпу. Это комедия, фарс, сцены из жизни простых людей, которые лишены судьбоносных событий. Сцены просты, полны тривиальных шуток и привычных большинству людей случаев.

Темами кёген становятся:

• злые духи;
• боги;
• семейные неурядицы;
• бытовая суета;
• мужская неверность;
• женская коварная натура.

Частый герой театра Кёген – слуга Таро. Персонажей множество, и по своей значимости они разделяются на главных, второстепенных, третьестепенных и дальше.

Читайте также:  [WJ35233] Сборная модель Замок Kumamoto Масштаб 1:150

Известнейшие школы Кёген называются Окура и Идзуми.

Используются женские, мужские костюмы, и отдельно идут служеские. Все они выполнены по образцам нарядов 16-17 столетий. Иногда могут использоваться маски, но не для проявления чувств персонажей, как это происходит в театре Но, а как элемент костюма – у каждого героя определенная маска.

Кабуки

О театре Кабуки слышал, наверное, каждый, даже за пределами Страны восходящего солнца. Он считается одним из видов классического искусства Японии. В переводе это название значит «искусство петь и танцевать». Появился он в 17 столетии, в период правительства Токугавы и связан с именем конкретной девушки по имени Идзумоно Окуни.

Памятник Идзумоно Окуни

Она была танцовщицей в храме, а позже перебралась в Киото. Там она не бросила свое увлечение, даже наоборот – стала выступать у речного побережья и на городских улочках.

Окуни совершенствовала свое мастерство, вводила все новые элементы с налетом романтики и эротики, приплетала к выступлениям фольклор, легенды, стихи. Вскоре к ней присоединились музыканты, и успех девушки был ошеломительным. Так она дала начало целому виду искусства.

Жанр стали копировать многие ансамбли. Они зачастую включали в себя откровенные наряды и эротические сцены. Мужчины сходили с ума от красоты и грациозности актрис и нередко устраивали поединки между собой.

Правящей верхушке не нравилась такая тенденция, поэтому они на законодательном уровне запретили женщинам участвовать в театральных представлениях. Но это не уничтожило Кабуки как вид – теперь там стали играть исключительно актеры мужского пола, воплощая собой одновременно женщин и мужчин – это так называемый вакасю-кабуки.

Конечно, спустя 2 века указ упразднили, но традиция исполнения ролей мужчинами осталась – их сейчас гораздо больше, чем актрис-женщин. Сюжеты Кабуки отражают важные ценности и духовные переживания:

• праведная и справедливая жизнь;
• буддийский закон кармы, когда добро поощряется, а злодеи очень скоро ощущают на себе последствие собственных плохих поступков;
• уважение к старшим;
• жизненные обязательства;
• мечты, желания, личные цели.

Важную роль играют костюмы – они собой словно воссоздают эпоху 17 столетия. Маски использовать не принято – вместо них актерам наносят искусный грим в несколько слоев, а также надевают парики.

Японский театр Кабуки — развлечение для всех!

Долгое время у простолюдинов не было никакой возможности смотреть театральные представления: даже подмостков никаких не существовало, не говоря уже об отдельном здании театра. Но в начале эры Токугава, в 17 веке, из синтоистских танцевальных традиций вырос демократический театр Кабуки. У его истоков лежит история девушки, которая танцевала в синтоистском храме в Идзумо. Ее звали Идзумо-Но Окуни, она была дочерью кузнеца. Она первой в Японии станцевала для простого народа вне храма, на улицах Киото и в высохшем русле реки.

Ей восхищались как простолюдины, так и высшие чины, в хрониках ее описывали прекраснейшей девушкой, а манеру танца называли величественной. Постепенно Окуни стала добавлять в свой репертуар другие религиозные танцы, перемежая их со светскими и романтическими, а выступала под сопровождение флейты, барабанов и прочих традиционных инструментов, позаимствованных в театре Но. Кроме того, она совместила с танцем и музыкой стихи и народные баллады, и в итоге все действо вылилось в театр Кабуки, что переводится как «мастерство пения и танца»…

Фото с сайта www.jtheatre.info

Однако Кабуки ждали и неприятности. Когда Окуни со своей труппой приехала в Эдо, из-за красоты и грации танцовщиц, самураи, которых те увеселяли, влюблялись в них без памяти, что разумеется, повлекло и реакцию властей: они «прикрыли лавочку», запретив выступления театра Кабуки в Эдо. Поскольку искусство распространялось, вскоре проблема «тлетворного влияния» возникла повсеместно в крупных городах. Тогда власти переместили Кабуки подальше от глаз чиновников, на городские окраины…

Но и это не уменьшило популярности театра, на представлениях всегда был аншлаг, а в 1628 году возникли серьезные беспорядки, сорвавшие выступление. В итоге, 1629 году был издан указ, запрещающий женщинам вообще участвовать в представлениях. Так в Кабуки появилась традиция оннагата, когда мужчина играет все роли: и женские и мужские. Именно таким театр Кабуки дошел до конца 19 века, когда все подобные запреты были сняты, но женщины уже не могли догнать мужчин в актерском мастерстве…

Фото с сайта sushiwok.ru

Посетить театр Кабуки в Токио можно по этому адресу:

Театр теней

Изначально театр теней появился среди древнекитайских и индийских жителей еще 17 веков назад. Позже, с набегами Чингисхана, он вошел в жизнь других азиатских стран. В Японии искусство теней появилось приблизительно в 16-17 столетии, когда театрализованные представления набирали обороты.

В театре теней ставили небольшие пьесы, которые отражали привычную жизнь героев, их переживания и вечные ценности. В каждом районе страны тематика была своей.

Для представлений использовалась специальная конструкция: из балок сооружалась рамка, которую потом обтягивали светлым полотном – это была сцена. Фигуры, ставшие куклами, были довольно примитивными – бумажными, кожаными, тряпичными.

За сценой прятались актеры, которые управляли куклами-марионетками с помощью специальных веревок или тонких палок из бамбука. На героев направлялся свет, и они отбрасывали тени на белое полотно-сцену. Отсюда, как вы уже догадались, и название театра. Куклы (а точнее, актеры, которые ими управляли) плясали и пели.

Театр теней — один из самых любимых во многих восточных странах:

• китайцы воссоздают события истории;
• индийцы ставят сцены из священного эпоса «Махабхарата»;
• турки любят насладиться комедией и фарсом.

Театр теней в Индонезии
Кстати, в одной из статей мы рассказывали про китайское театральное искусство — можете почитать об этом здесь.

Японцы же в основу представлений ставят мифы, легенды, фольклор, а вместе с куклами играют живые актеры, облаченные в черную одежду – такой подход делает японский театр теней самым динамичным и реалистичным.

В этом году японский театр теней впервые выступил в России. Это произошло в Ульяновске на празднике «Японская весна на Волге».

LiveInternetLiveInternet

Тень – романтично-таинственный образ, носящий сакраментальный характер сродни зеркалу. В некоторых языках, слова «тень» и «душа» идентичны, потому что во многих мифах, образ тени, — это второе «я», как египетский дух-двойник «ка». Образы восточного теневого театра играют роль визуальной поддержки повествования, этот принцип восприятия был положен в основу древневосточных настенных изображений Египта и Месопотамии. Глядя на изображения, зритель «слушал» чтение сакрального текста или вспоминал хорошо известную историю, — это и был в какой–то мере прототип театра теней.

В архаической форме теневого театра тени на экране создавали жестами рук.

Легенда относительно происхождения театра теней также пасмурно-романтичная: «Умерла жена китайского императора, он сильно по ней тосковал, и подданные придумали показать тень жены за ширмой». Так и появилась форма визуального искусства, датируемая примерно в двухсотым годом до нашей эры в эпоху императора Хань-Ву-ци. Но получил большое распространение при династии Сунь.

Театр теней соединяет в себе три вида искусства — музыку (инструментальное или голосовое сопровождение), литературу (рассказы и сценарии), ремесло (изготовление кукол) или живопись (декорации и сами куклы) в одном.

Потом тонкие полупрозрачные силуэты стали вырезать из кожи, чаще всего – ослиной. И первоначально, этот театр так и называли — «театр кукол из ослиной кожи».

Позже фигурки стали изготовляться из всевозможных материалов — тонкой прозрачной кожи (козлиной, верблюжьей), бумаги или картона, могли быть как твёрдыми и целостными, так и гнущимися, состоящими из отдельных частей, прикрепленных друг к другу. Высота куклы чаще всего 30 сантиметров, но бывают и большие, 70-сантиметровые. Эти фигурки прозвали марионетками. Сам по себе образ марионеток также издревле наделялся сакраментальным смыслом: «Человек — это марионетка, управляемая божеством», — утверждал древнегреческий философ Аристотель. А другой великий философ — Платон, беседуя с учениками, брал в руки марионетку и объяснял своим ученикам, что людьми, подобно марионетками, правят нити Добра и Зла, Добродетели и Пороки. Но слушаться нужно только одной нити — золотой нити разума. («Золотой» называется нить, управляющая головой куклы.) Из чего можно заключить, что искусство это еще более древнее.

Фигурки управлялись с помощью бамбуковых, деревянных или металлических палочек.

Силуэт в китайском театре теней выражает характер. Форма глаза, головы, поза регламентируется традицией и соответствует амплуа. Одна рука куклы, как правило, держит оружие или другой характерный атрибут, другая двигается. Силуэты китайского театра были, в отличие от силуэтов театров теней европейских подражателей, раскрашены. В китайском теневом театре техника демонстрации проекций несколько отличалась от техники европейских театров. В китайском театре проекции получают на прозрачном экране, освещая сзади кожаные силуэты. Зритель видит не только контур, но и нежный цвет. В китайском театре теней силуэты, проецируемые на экран, предназначены для разглядывания, поэтому они так затейливы по контуру и цвету. Зритель слушает историю, и в это время разглядывает проекцию на экране. Персонажи иллюстрируют исторический эпос, сцены популярных романов, сказаний, музыкальных сказов, легенд, сказок, преданий, которые были интересны и понятны простым китайским зрителям. Теневые куклы были очень дорогими. Иметь их могли позволить себе только богатые люди, и хранились они в комнатах, которые считались самым священным местом жилища. Комплект придворного теневого театра насчитывал до 600 теневых фигур.

Представления театра теней проходили, как правило, ночью с заката до рассвета. В Индии на хорошо утрамбованной поляне на бамбуковых шестах ставился огромный экран. За экраном разжигался костер из скорлупы кокосовых орехов, по другую сторону, где-нибудь под манговым деревом, располагались зрители. Перед экраном садился рассказчик, и жители деревушки, затаив дыхание, слушали его рассказ о жизни богов и подвигах героев народных эпосов «Рамаяны» и «Махабхараты». Спектакль мог продолжаться много ночей подряд. И первоначально, детей на такие представления не пускали, а, мужчины и женщины смотрели
ихотдельно.

Поломники переносили сказания о театре по всей Азии, так оно оказалось и в Монголии. С монгольскими войсками Чингиз-хана распространились на другие регионы Азии и Европы.

Читайте также:  От лагмана до рамена: популярные рецепты азиатских блюд из лапши

Наивысшей формы театр теней достиг во времена Османской империи в Турции. Карагез «черный
глаз» — герой турецкого театра теней был самым популярным. Прототипом Карагеза был вполне реальный турецкий кузнец, драчун и хулиган. Он жил в середине XIV века при дворе султана Орхана и работал на строительстве мечети. Очень любил поболтать со своим другом каменщиком Хадживатом. Они один за другим рассказывали друг другу анекдоты, поэтому работа шла очень медленно. Султан узнал об этом и решил казнить обоих. Не за анекдоты, а за плохую работу. И казнил, а потом раскаялся, но было поздно. Тогда, чтобы утешить султана, один из его приближенных вырезал теневые фигуры Карагеза и Хадживата и показал представление, в котором друзья снова, как живые, разыгрывали свои анекдоты. Говорят, это успокоило султана, и с тех пор спектакли с участием Карагеза игрались во всей Турции. Пьесы с ним играл один человек, которого называли карагезджи, он управлял теневыми фигурками и озвучивал по очереди всех персонажей, меняя при этом голос.
В средние века в Испании выделилась 3-я форма тетра теней, когда некоторое время артистам было запрещено выходить на сцену, а выйти хотелось, они придумали выступать за ширмой. С тех пор, использование теней живых людей для показа спектакля стало называться испанскими тенями.

В России в 1733 году упоминание о театре теней было в газете «Санкт-Петербургские ведомости»: «Иные подражания позорищным играм делаются одною только тенью, которыя в темной камере на намазанную маслом бумагу наводится. И хотя таким способом показанныя фигуры ничего не говорят, однако ж от знаков и других показаний познавается, что оныя знаменуют. Сею тенью изображаются многия зело дивныя виды и их применения, что в других позорищных играх не так хорошо учиняться может». Единственный сейчас в России большой государственный Театр теней был организован в 1937 году при Музее детской книги и открылся он премьерой спектакля по роману «Тиль Уленшпигель» Шарля де Костера (один из моих любимых романов). Он работает и сегодня. Но в его репертуаре не только теневые спектакли, но и обыкновенные — кукольные.

«Китайские тени» были распространены в Европе в XVIII и XIX веках. В 1767 году, перед Великой Французской революцией, из самого Китая техника театра теней была привезена на родину французским миссионером Жюлем Алодом. И, здесь теневой театр так полюбили и много показывали, что он стал называться «французскими тенями». А самой большей славой пользовался в театр теней Доминика Серафена в Версале.

Истории театра Серафина комментировали современность, выводили героев, типы которых были узнаваемы. Проецируемые силуэты поддерживали в этом театре не эпические повествования и даже не сказки, а своего рода анекдоты. В 1790 году, во время ожесточенной борьбы между разными фракциями внутри «Учредительного собрания» за конституцию, Серафин давал на злобу дня спектакль «Национальная федерация»; в 1793 году, после казни Людовика XVI, — спектакль «Яблоко для самой прекрасной, или Свержение трона». Интерес образованных европейцев к театру теней с его специфической формой повествования, опирающегося на лаконичные визуальные образы, был составной частью «салонного» интереса к фольклору. Незатейливое шоу Серафина за 2 года приелось придворным, и театр перебрался в Париж. Театр Серафина просуществовал до 1859 г, когда его наследники заменили тени объемными марионетками.

Кроме Серафина, самым знаменитым театроведом теней последних лет Республики был бельгиец Этьен Гаспар Робер. Шоу Робера называлось «фантасмагория», что означает «коллекция призраков». Оно открылось в 1797 году, за два года до того, как Наполеон Бонапарт объявил себя диктатором и настал конец Республике, объявленной в ходе первых лет Революции. Жизнь в Париже постепенно становилась более спокойной и сытой. Массовые аресты и казни прекратились, война отодвинулась от границ Франции, в городе опять открылись светские салоны. Представление Робера проходило в развалинах монастыря капуцинок близ Вандомской площади. В ходе представления автор «являл» публике при помощи усовершенствованного «волшебного фонаря» «тени дорогих умерших»: Марата, Робеспьера, Дантона, Людовика XVI и Лавуазье, а также мифологических персонажей: Гебы, Минервы, Медузы Гаргоны. Не последнее место в шоу занимали Смерть с косой, Бродячий монах, персонаж популярного «готического романа» М.Г.Льюиса, и другие «макабрические» персонажи. Тени производили на публику неизгладимое впечатление. «Женщины падали в обморок, храбрые мужчины закрывали глаза». За пять лет существования шоу в стенах монастыря перебывал «весь Париж».

В представлениях Робертсона, как он стал себя называть, визуальные образы играют более самостоятельную роль, чем в китайском театре теней. Большая часть волшебных фонарей, которые использовались для показа, были довольно мощными, и были поставлены на платформы с колесами, которые позволяли быстро и бесшумно перемещать их по специальным рельсам по направлению к экрану или от него. Стремительное и бесшумное перемещение фонаря создавало ощущение того, что образ надвигается на зрителей, летит к зрителям, приближается к ним «из глубин космоса». При приближении фонаря к экрану менялось фокусное расстояние. Для мгновенного исчезновения образа применялось устройство, именуемое «кошачий глаз» — заглушка с треугольным отверстием, закрывавшая источник света, и мгновенно погружавшая публику обратно в темноту. Следующим принципиальным для «Фантасмагории» решением был полупрозрачный экран, пропускавший цветное изображение и свет через ткань, как в китайском театре теней. В китайском театре свет проникает сквозь куклы-силуэты и сквозь экран. В «Фантасмагории», силуэты, изображенные на стеклянном слайде, окружались черным светоотражающим фоном, они воспринимались как полностью автономные, самостоятельно движущиеся объекты. Пикирующие на дам летучие мыши проецировались маленькими фонарями, которые держали в руках. В шоу могло быть задействовано одновременно около 10 фонарей. Струящиеся тени получались путем проекции на дым. Вызывание «призраков» сопровождалось шумовыми эффектами, которые широко использовались в театре того времени.

Стремление к мрачным постановкам Робертсона объяснялось самой легендой (китайской) о возникновении театра теней. Здесь, образы театра символизировали важные для публики темы: погибшие в первые годы Революции политические деятели или персонажи любимых готических романов. «Ужасные» образы, созданные Робертсоном, оказались столь удачными, что надолго пережили шоу. Во время наполеоновских войн тайная полиция использовала эту технику, чтобы пугать дезертиров при попытках бегства из действующих частей. Они проецировали голову Медузы и Бродячего монаха ночью на деревья леса, чтобы напугать офицеров, пытавшихся самовольно оставить часть.

Образы «фантасмагории» задали иконографию «макабрических» картинок для «домашнего» волшебного фонаря. По этой причине Робертсона считают родоначальником одного из основных жанров современного развлекательного кинематографа – т.е. фильмов ужасов.

С 1885 г. в Париже существовало еще одно шоу, «которое заставило сбежаться весь Париж». На возрождение интереса к китайскому «театру теней» повлияла эстетика арт-нуво. Художник Анри Ривьер однажды сидел в кафе, слушал выступление певца, потом стал вырезать из салфеток и картона человечков и показывать иллюстрации к песням. Это всем так понравилось, что Анри Ривьер создал собственный театр теней.

И вот на улице Виктор-Массэ неподалеку от Монмартра открылось кабаре «Ша нуар» (Черный кот), которое посещали многие художники и писатели, среди которых были Эмиль Золя и Эдгар Дега. Кабаре в те годы имело несколько иную репутацию, чем сегодня. Оно было альтернативой официальной светской культуре. В 1887 г. куплетисту Жюлю Жу пришло в голову проиллюстрировать свою песенку на злобу дня демонстрацией теней. Песенка была посвящена скандалу в правительстве из-за распределения орденов. Номеру сопутствовал колоссальный успех. Это навело администрацию на мысль о полном переходе кабаре на демонстрацию теней.

В нем работали известные французские художники Каран де Аш, Анри Сомм и др. «Черный кот» стал большим театром: в представлениях участвовали 10-15 человек. Спектакли Ша Нуар предназначались для более искушенной публики. Показывали «Эпопею», посвященную Наполеону, «Искушение святого Антония», «Чрево Парижа» (жанровые сцены), «Сфинкс», «Поход к солнцу» (об англо-буррской войне). Огромное внимание Анри Ривьер уделял световым эффектам: для каждого спектакля изготовляли специальные цветные стекла. Тяжелые цинковые теневые фигуры передвигались с помощью сложных механизмов. Их возили по сцене на специальных рельсах. Спектакли театра теней кабаре режиссировались, как постановки «большого» театра. На экране сменяли друг друга не отдельные фигуры, как в классическом театре теней, а сцены, спланированные художниками. Театр просуществовал до 1897 г.

Самым известным театром теней сейчас являются Яванские Вайанг-Кули: куклы из вощеной прозрачной бумаги на шарнирах, раскрашенные в различные цвета. Яванские теневые фигуры управляются артистами-кукольниками с помощью тростей и изготавливаются из шкуры буйвола. Шкуру долго выделывают в тонкую пластинку (1,5- 3 мм) желтого цвета, т.е. в пергамент. Потом над этой пластинкой работает мастер-резчик превращая ее в «ваянг» — теневую куклу. Эта профессия на Яве — одна из самых уважаемых. Резчики вырезают силуэты и покрывают их ажурной резьбой. Потом живописцы раскрашивают их, пользуясь только пятью красками: белой, желтой, синей, красной и черной. Затем куклы собираются: к ним приделываются руки, ноги и головы. И, наконец, к кукле прикрепляются трости управления. Таких кукол для одного представления нужно 100-150 штук.

_____________________________________________________________________________________

Камиль Сен-Санс — пляска смерти (Danse Macabre):

Бунраку

Бунраку – прекрасное развлечение для детей и их родителей, ведь это театр кукол и феерическое музыкальное представление в одном флаконе. Здесь оживают сказочные, мифические, фольклорные мотивы.

История началась с вымышленной принцессы Дзёрури, ставшая главной героиней баллад, которые легли в основу постановок. Поначалу не было никаких кукол – монахи исполняли песни, затем ансамбль дополнился музыкантами, а истории сопровождались картинками. Только позже изображения заменили реальными фигурками.

Рассказчик – главный герой, его здесь называют гидайю. Он повествует о событиях, а также создает дополнительное звучание, например скрип или шелест. Рост кукол достигает полутора метров.

В Бунраку куклами управляют актеры в черных балахонах с капюшоном – так они не отвлекают зрителей от волшебства, творящегося на подмостках.