Реферат «Особенности японской гравюры Укиё-э и её влияние на европейскую живопись»

Сегодня расположенными на стенах музеев японскими гравюрами укиё-э уважительно восхищаются. Однако в эпоху Эдо, когда они были созданы для игры, обучения, как средства массовой информации, укиё-э являлись неотъемлемой частью повседневной жизни. Как отражение японского общества той эпохи они представляют большой интерес.

Со второй половины XIX века японское искусство начало оказывать влияние на Запад, сильное увлечение им породило особое художественное движение – японизм. Благодаря всемирным выставкам и специализированным магазинам предназначенное для узкого круга посвященных японское искусство узнало вскоре благосклонность и более широкой публики. Красивые, цветные, дешевые японские гравюры вызвали интерес таких художников, как Моне, Дега, Ван Гог, а также гравёра Бракемона, скульптора Родена, литераторов, в том числе братьев Гонкур и других — они всех вдохновляли.

Кацусика Хокусай «Тридцать шесть видов горы Фудзи — Большая волна в Канагаве» (Институт гравюр Адати)

Японцы, которые никогда не рассматривали укиё-э как произведения искусства, были очень удивлены таким увлечением Запада. Игровые, обучающие, средства массовой информации, многоцветные ксилографические гравюры являлись неотъемлемой частью повседневной жизни жителей страны восходящего солнца.

Читайте также:  Здравствуй, Япония. Виртуальное путешествие Виртуальное путешествие Работу выполнила Работу выполнила Учитель географии Учитель географии МОУ СОШ 2 г Коркино. — презентация

Давайте снова вернемся к созданию укиё-э, в эпоху Эдо (1603-1868), и посмотрим, как их использовали японцы.

Укиё-э

(Ukiyo-e) — картины «бренного», изменчивого мира. Это особое направление в японской живописи, представленное цветной гравюрой на дереве. Первоначально слово укиё обозначало одно из буддийских понятий и переводилось как «бренный и быстротекущий мир». В 17 веке оно уже стало обозначать современный суетный мир, мир любви и наслаждений. Слово «э» означает «картина, изображение». Поэтому название искусства «укиё-э» говорит о том, что оно отображает повседневную, современную жизнь периода Токугавы.

Утагава Хиросигэ. «Сливовый сад в Камада», 1857

В процессе создания ксилографии принимали участие художник, резчик и печатник. Для многоцветных гравюр порой изготавливали свыше тридцати печатных форм. Пигменты наносили кистью или кончиком пальца. Картины печатались на японской мягкой, впитывающей влагу бумаге, а затем отшлифовывались при помощи бамбукового диска барэна. У японцев было несколько жанров гравюры укиё-э — бидзин-га

( изображение красавиц),
якуся-э
(портреты актёров театра),
сюнга
(эротические картинки),
муся-э
(изображения самураев),
фукэй-га
( пейзаж) и
катё-га
— цветы и птицы.

Рождение японских гравюр укиё-э

Когда в 1603 году сёгун Токугава Иэясу (1542-1616) решил основать новую административную столицу в болотистом местечке, именуемом Эдо (в настоящее время — Токио), оно незамедлительно начало меняться и превратилось в большой город, соперничающий с Киото, столицей императора. В период Эдо правительство сёгуна установило систему, которая обязывала феодалов даймё служить сёгуну в городе Эдо в течение определенного периода. По возвращении в свои земли феодалы оставляли супругу и детей в столице на постоянное проживание, превращая их в заложников властей. Эти регламентированные перемещения были очень дорогостоящими. Феодалы быстро влезали в долги и им приходилось идти к купцам, чтобы одолжить денег. Купцы и ремесленники легко обогащались и хотели жить удобно и развлекаться. Они не замедлили навязать обществу свои вкусы в области искусства, литературы, театра и спектаклей всех жанров.

Именно в этом контексте родилась японская гравюра укиё-э. Вначале ксилография, завезенная из Китая, использовалась, чтобы печатать и иллюстрировать буддийские тексты. Новый виток ее популярности пришелся на XVII век, когда художник Хисикава Моронобу (? ~1694）применил эту технику в 1660 г., чтобы печатать гравюры на отделенных листах. Эти первые гравюры, сумидзури-э (墨摺絵), были напечатаны черно-белой тушью на японской бумаге. Искусству Суми-э — японской монохромной живописи посвящена наша отдельная статья.

Но покупатели желали раскрашенных гравюр, и скоро те окрасились в оранжевый цвет с помощью краски тан(丹), составленной из серы и ртути. В XVIII веке к этим гравюрам, названным тан-э (丹絵), добавились гравюры бэни-э (紅絵), демонстрировавшие более полный красный цвет, полученный с помощью дикого шафрана, а также черные лаковые гравюры уруси-э (漆絵).

Судзуки Харунобу “Мальчик на лошадке”, 1765-1770. Музей Хаги Урагами

К середине XVIII века ремесленники начали печатать двух- или трехцветные гравюры. Они получили название бэнидзури-э (紅摺絵) и ознаменовали фундаментальное достижение в области гравюр, которое в 1765 г. привело к созданию художником Судзуки Харунобу (1725-1770) ксилографических полихромных гравюр, названных «парчовыми картинками» (нисики-э, 錦絵).

Если первые полностью полихромные гравюры были дорогостоящими, то очень быстро их цена опустилась и скоро больше не превышала цену пиалы лапши. Гравюра укиё-э– плод коллективного труда, когда издатель, который заказывает рисунок у художника (любой рисунок выполнялся кистью и тушью), отдает на цензуру, а затем передает граверу и печатнику.

Проданные в специализированных лавках (эдзосия) или уличными торговцами, гравюры просто скручивались и вручались заказчику, как это делается сегодня с плакатами.

Читайте также:  Существа: Каппа (японский водяной демон)

Легкость сделала их особо подходящим подарком среди провинциалов, которые отправлялись в столицу, или среди тех, кто путешествовал в провинцию. Японские гравюры познали успех, который длился до прихода фотографии в XIX веке.

Войти на сайт

Коллекция: Хокусай

Стиль: японская гравюра фукэй-га

Материал: золото 585, белое

Вставки: бриллианты, рубины, пейзажный агат

Базовый элемент: ветвь сакуры, бонсай, пик горы Фудзияма

Творческий источник: японские гравюры укиё-э жанра фукэй-га, ксилографии Кацусика Хокусая

Эмоция: умиротворение

1. Гравюра Укиё-э-зарождение

История Японии как государства насчитывает более 8 тысяч лет. Длительная изоляция от остального мира сформировала самобытную культуру отличную от других цивилизаций. Как и вся культура Японии, традиционная японская живопись уникальна.

Японская гравюра, менее скованная, чем живопись, канонами, возникла в XVII веке в среде торгового и ремесленного сословия. Гравюра была наиболее доступным для горожан массовым видом искусства. Темами для гравюр укиё-э являлись сюжеты поэзии и жанровых рассказов укиё-дзоси, пьесы театра Кабуки.

Направление в изобразительном искусстве Японии — укиё-э, начало развиваться с периода Эдо (1600-1868). Стиль укиё-э зародился на волне урбанизации конца XVI века. Торговцы и мелкие ремесленники, начали писать рассказы и оформлять их рисунками. Подобные сборники носили название эхон («книга картинок»). Одним из примеров подобного искусства является издание 1608 года «Исэ-моногатари» («Повесть об Исэ») Хонами Коэцу. В подобных книгах широко использовались укиё-э в качестве иллюстраций. Книги издавали массовыми тиражами и Текст и иллюстрации в этих изданиях печатались черным цветом. Позднее гравюры стали печатать как самостоятельные произведения – какемоно (свиток с картиной или изречением).

Первоначально термин «укиё» употреблялся в буддизме для обозначения «бренного мира, долины печали», но в эпоху Эдо, с появлением городских кварталов, в которых процветал театр Кабуки и находились дома гейш и куртизанок, термин был переосмыслен, и его стали понимать как «мир мимолётных наслаждений, мир любви».

Укиё-э — картины повседневной жизни. Мастера этой школы открыли не только новые темы в своих произведениях, они обратились к новой технике — ксилографии, которая давала широкие возможности для во­площения их творческих замыслов, для создания искусства, доступного и понятного горожанам. В XVII столетии гравюра на дереве поднялась до высот подлинного искусства.

Читайте также:  Самые старые деревья в мире. ТОП-10

Техника ксилографии, появилась в Японии еще в период Хэйан (794-1185) вместе с распространением буддизма. Техника печати с деревянных досок вначале использовалась при изготовлении черно-белых оттисков с изображениями различных буддийских святых при иллюстрировании текста сутр.

Первые станковые гравюры были также черно-белыми, потом их начали слегка подкрашивать от руки киноварью (тан-э), позднее гравюры подкрашивались темно-красной краской (бэни-э) или оттенялись черной плотной краской, что создавало эффект покрытия черным лаком (уруси-э). Первые оттиски с использованием красного цвета (бэнидзури-э) появились в середине XVIII в. Постепенно число досок для цветной печати увеличивалось, и в 1765 г. появились первые многоцветные гравюры, получившие название «парчовые картины» (нисики-э).

2. Изготовление гравюры

В процессе создания гравюры укиё-э участвовали: художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания.

Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник делал контурный рисунок прототип гравюры тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Гравер, наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, вырезал из неё области, на которых бумага была белой, получая, таким образом, первую печатную форму, но уничтожая сам рисунок. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру. Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.

3. Жанры гравюры укиё-э

Бидзин-га – общее название для произведений живописи и графики, изображающих женскую красоту в традиционном искусстве Японии. Обозначение «бидзинга» может использоваться и для современных средств искусства, представляющих классический образ прекрасной японской женщины, как правило, одетой в кимоно.

Практически все мастера укиё-э создавали картины в жанре «бидзинга». Изображения этого жанра были одной из центральных тем этого направления японского искусства. Среди художников, создававших бидзинга, следует упомянуть таких мастеров формы и новаторов в японской живописи, как Хисикава Моронобу (первый крупный художник японской ксилографии, создавший значительное количество ксилографических альбомов), Китагава Утамаро, Судзуки Харунобу, Тоёхара Тиканобу, Тории Киёнага, Нисикава Сукэнобу, Ито Синсуй.

Якуся-э – (яп. — изображение актеров), жанр японской гравюры направления укиё-э, отражающий жизнь актеров театра Кабуки. Воз­ник в конце XII в. как оформление плаката, афиши, театральной про­граммы. Ранние произведения якуся-э (конец XII – середина XIII в.), выполненные в технике ксилографии с яркой под­краской оттисков, создавали герои­ческий образ актера-исполнителя остродраматических ролей. Они привле­кали захватывающей стремительно­стью действия и роскошью театраль­ных одежд (гравюры Тории Киёнобу с фигурой обращенного к зри­телям актера, как бы летящего в танце, жонглируя оружием). Во 2-й половине XIII века в гравюрах якуся-э появ­ляются лирические сцены, портреты актеров в процессе работы, в артис­тической уборной. Высший этап развития жанра якуся-э – творчест­во Тёсюсая Сяраку (кон. XIII – нач. XIX в.). Он создал галерею порт­ретов, в которых актер предстает в образе страдающего, ненавидящего, алчущего, сжигаемого страстями че­ловека. В произведениях XIX в. уси­ливается тяга к декоративности, снижается интерес к внутреннему миру персонажей.

Японская театральная гравюра в процессе своего развития стала самоценным и самостоятельным искусством, расцвет которого пришелся на XVII – XIX вв.

Катё-э (яп. Катё-э, или катё-га «картины о цветах и птицах») – поджанр японской гравюры укиё-э, ведущий свое происхождение из традиционного жанра китайской живописи, посвященного тому же предмету. Существовали мастера, специализирующиеся исключительно на этом жанре, хотя крупные мастера укиё-э, например, Хиросигэ, также иногда его использовали.

Охара Косон является одним из самых известных художников в жанре «катё-э» двадцатого века.

Фукэй-га – пейзажная гравюра, получившая широкое распространение в первой половине XIX в. Расцвет пейзажного жанра в японской классической ксилографии связан с именами двух великих художников – Кацусика Хокусая (1760–1849) и Андо (Утагава) Хиросигэ (1797-1858). В Японии много замечательных мест и великолепных пейзажей. Но всемирную известность приобрела гора Фудзияма – символ страны Восходящего Солнца. Японцы восхищаются Фудзиямой и считают её национальной святыней. Священный трепет и восхищение вызывает у жителей Японии вершина Фудзи, покрытая снегом. Вулкан имеет классическую коническую форму и поражает своим совершенством. На фоне голубого неба вырисовываются слегка усечённые и симметричные склоны Фудзиямы. Всё это приносит в душу покой, говорит об упорядоченности мироздания и гармонии в природе.

Муся-э – историко-героический жанр; изображение прославившихся в истории Японии самураев, сцен сражений. Традиционный жанр укиё-э.

Суримоно — поздравительные карточки благопожелательного содержания, изображающие жанровые сцены, цветы и растения, животных и птиц, пейзажи, деревья, богов счастья и богатства, предметы — символы добра. Суримоно отличались особой нарядностью, так как выполнялись к знаменательным датам, праздникам, датам, связанным со сменою времен года, дням рождения, свадьбам. В суримоно обязательно вводилась поэтическая надпись, дополняющая, а иногда и поясняющая художественный образ.

Сюнга — альбомы и отдельные серии гравюр на эротические темы. Как правило, подобные гравюры издавались анонимно, художники не рисковали их подписывать.

Читайте также:  Как выбрать кимоно для дзюдо: изучаем вопрос от и до

Иокогама-э — изображение представителей различных стран, новых механизмов, домов европейского стиля и т.д. Он возникает с появлением первых иностранцев в Японии. В середине XIX в. в укиё-э начинают использовать, завезенные из-за границы анилиновые красители, значительно удешевившие и упростившие процесс производства гравюр, но сильно ухудшившие их качество.

Развитие японской ксилографии определялось несколькими ведущими школами — династиями: их основатели как бы формировали свой стиль, в русле которого работали ученики и последователи. Но были и выдающиеся мастера, творчество которых не вписывается в рамки какой-либо династии и стоит особняком, обозначая яркие вехи в истории японской гравюры (Судзуки Харунобу, Китагава Утамаро, Тосюсай Сяраку, Кацусика Хокусай, Андо (Утагава) Хиросигэ).

4.Школы укиё-э

В конце ХVII — начале ХVIII в. на первое место в искусстве укиё-э выдвигается династия Тории, ее глава — Тории Киёнобу (1664-1729), последователь Моронобу. Главная тема художников династии Тории — театр Кабуки — находит воплощение в гравюрах с изображениями актеров (якуся-э), других видах ксилографических изданий, связанных с театром (афиши, программки спектаклей). Художники династии Тории активно используют нововведения в технике ксилографии (бэни-э — розовая гравюра. Тип гравюры укиё-э, раскрашенной от руки кистью, для которой вместо охристой минеральной краски тан применялась розовая растительная краска бэни с добавлением к ней желтого, оливкового и коричневого цветов и уруси-э — лаковые картины. Техника печати, при которой на самые заметные части гравюры наносили японский лак — уруси). Из учеников Тории Киёнобу наиболее известны Тории Киемасу (1697-?) и Тории Киемицу (1735-1785).

В первой половине ХVIII в. одной из крупнейших школ живописи укие-э стала династия Кайгэцудо во главе с Андо Кайгэцудо (1671-1743). Мастера этой школы создавали живописные портреты куртизанок в полный рост в ярких красочных костюмах. Это были изображения, служившие своего рода рекламой знаменитых красавиц, популярных обитательниц «веселых кварталов». Гравюр Андо Кайгэцудо не сохранилось. Среди последователей Кайгэцудо Андо наиболее известны Кайгэцудо Анти, Кайгэцудо Дохан, Кайгэцудо Досин.

Основатель династии Кацукава — Кацукава Сюнсё (1726-1793), развивая жанр театральной гравюры, вводит в обиход два ее типа: первый — парадные портреты актеров в статичных позах на фоне театральных занавесов и второй — актеры в гримерных комнатах, в интимной обстановке, не предназначенной для посторонних глаз. Попытка рассмотреть под маской внутренний мир актера характерна и для других мастеров династии Кацукава (Кацукава Сюнте, Кацукава Сюнэй), и их современников (Иппицусай Бунте).

Одной из наиболее известных школ японской гравюры в XIX в. стала династия Утагава, основанная в конце XVIII в. мастером гравюры жанра укиё-э Утагава Тоехару (1735-1814). Эта разветвленная и многочисленная школа оставила после себя множество живописных и графических работ в различных жанрах, однако основными для нее были все же театральная гравюра и историко-героическая тема. Утагава Тоехиро (1773-1829), ученик Тоехару, специализировался на изображениях красавиц. Утагава Тоекуни (1769-1825) — один из ведущих мастеров школы Утагава — славился своими театральными гравюрами. Утагава Куниеси (1797-1861) — автор множества серий исторических и героических гравюр, изображавших самураев в батальных сценах.

5.Нововведения в укиё-э

Художником, активно внедрявшим цветную печать – в противовес покраске от руки был Окумура Масанобу (1686-1764), прозванный Гэнроку, был не только известным художником, но и популярным издателем книг и альбомов. Среди других его нововведений в укиё-э — хасира-э (гравюры узкого и длинного формата), уки-э (композиционный прием в живописи и гравюре, позволявший изображать пространство в перспективе).

Создателем метода печати многоцветной гравюры был Судзуки Харунобу (1725-1770). Начав с печати с трех-четырех форм, Харунобу затем увеличил число досок до 7-9, а также стал активно использовать различные возможности техники: тиснение по влажной бумаге, печать золотым и серебряным порошком. Харунобу создает особый тип изображения красавиц. На смену величавым и статным красавицам Кайгэцудо и Масанобу приходят хрупкие юные девушки, почти подростки, необычайно трогательные и грациозные. Атмосфера доверительности, камерности характерна для всех произведений Судзуки Харунобу.

Введение новых, более сложных и дорогостоящих техник объяснялось возникновением моды на специальные гравюры суримоно, выпускавшиеся небольшим тиражом для узкого круга любителей к различным датам или специально к Новому году. Для суримоно использовались более плотная и дорогая бумага, дорогие пигменты. Кроме суримоно, Харунобу ввел в обиход специальные календарные гравюры экоеми.

В конце XVIII в. гравюра укиё-э достигла своего расцвета. Она заменяла в небогатых домах дорогостоящую живопись, широко использовалась для иллюстрирования книг, оформления календарей и театральных афиш, рекламы и поздравительных текстов.

В 1840-х гг. правительство Японии издает специальные эдикты против роскоши, распространявшиеся и на гравюру. В частности, запрещается использовать дорогие краски при печати, тисненую бумагу и печатать с большого количества досок. К этому времени относится появление гравюр, выполненных в технике монохромной печати аодзури-э, в которой художники добивались множества градаций оттенков синего цвета. Все готовые к печати листы должны были быть удостоверены цензорскими печатями. Художникам запрещалось указывать на гравюрах имена куртизанок и актеров, иллюстрировать исторические события и изображать сцены, содержащие намеки на современные события. Эти ограничения способствовали развитию пейзажного жанра.

Возможно, без этих запретов Япония не приобрела бы таких гениев пейзажа, как Ансо Хиросигэ и Кацусико Хокусай, но ввод жесточайшей цензуры вызвал шок в мире укиё-э – из привычного репертуара изымались целые жанры. Осакская школа, основной и единственной специальностью которой была театральная гравюра, впала в паралич, в котором пребывала около пяти лет. Реакцией на цензуру стало обращение художников к карикатуре (фуси-га). Они начали изображать людей в обличье животных.

Японская гравюра конца XVII — первой половины XIX века. Именно она представляет в глазах европейцев наиболее яркие черты искусства Востока. Красочная и вместе с тем изысканная, экзотическая и понятная по содержанию гравюра впервые привлекла внимание художников и любителей искусства во второй половине XIX столетия. Японской гравюрой увлекались Тулуз-Лотрек, Мане, Дега, Ван-Гог. Знакомство с ней повлияло на творчество русских и советских художников: Билибина, Сомова, Остроумовой-Лебедевой, Митрохина, Верейского. Сейчас японская гравюра заняла достойное место в ряду значительнейших достижений мирового искусства.

Коллекция «Хокусай» Ювелирного Бренда Роскошь представляет собой ряд колец с пейзажными зарисовками в стиле гравюры укиё-э. Источником творчества коллекции является пейзажный жанр японской гравюры фукэй-га и творчество одного из самых ярких представителей этого жанра Кацусика Хокусая. Виды горы Фудзиямы, храмовые постройки, цветущая сакура – все это нашло отражение в виде накладок из белого золота на невероятный по своей окраске пейзажный агат.(тут)

Утилитарные и рекламные гравюры

Именно для создания иллюстрированного календаря (э-гоёми) Судзуки Харунобу создал первую ксилографическую полихромную гравюру. Хрупкие силуэты андрогинных персонажей, гофрировки во впадине (каразури) и рельефе (кимэдаси), которые он использовал, не могли не восхищать современников.

Впоследствии многочисленные гравюры были выполнены для вполне конкретных целей. Торговля цветами, реклама ресторанов или лавок шелковых тканей, предков современных универмагов, осуществлялась при помощи гравюр, особенно к концу эпохи Эдо.

Утагава Хиросигэ “Достопримечательности Эдо — лавка тканей Даймару в Оодэмма”, 1847-1852. Музей Хаги Урагами

Реклама косметических средств, в особенности белил (осирои), которые женщины накладывали на лицо и затылок, и губной помады была представлена как гравюра. Тремя цветами макияжа были: белый (для кожи), красный — для губ и черный — для бровей и зубов, которые японки зачерняли, выходя замуж. Появилась также внушенная куртизанками мода на зеленую нижнюю губу, что достигалось последовательным нанесением слоев ценной и дорогостоящей губной помады.

Веселый квартал Ёсивара, знаменитый своими куртизанками высшего ранга, часто выбирался как мотив для гравюр. Его куртизанки диктовали последнюю моду в вопросах прически и макияжа.

(слева направо) Кэйсай Эйсэн “Любимые вещи восьми красавиц сегодня: проигравший пьет”, 1823. Китагава Утамаро “Куртизанка Хараоги из Огия и ее спутники”, 1796. Тосюсай Сяраку “Актер Сэгава Кикунодзё III в роли Осидзу, жены Танабэ Бундзо”, 1794. Музей Хаги Урагами

Благодаря Китагаве Утамаро (1753-1806) представление о женской красоте достигло своего апогея. Женские портреты крупным планом на слюдяной основе стали очень модными.

Актеры Кабуки как великие куртизаны служили моделью для художников. Покупали их портреты так же, как это делали позже на Западе с фотографиями актеров кино. Среди наиболее знаменитых портретов занимают те, которые создал загадочный Сяраку, подлинная личность которого все еще не известна.

С поездками и паломничествами, вошедшими в моду в XIX веке, такие художники, как Хокусай и Хиросигэ, придумали великолепные гравюры пейзажей, которые являлись также значимой рекламой представленных на них знаменитых мест.

Кацусика Хокусай “36 видов горы Фудзи”, 1831-1834. Музей Хаги Урагами

ЯПОНСКАЯ КЛАСИЧЕСКАЯ ГРАВЮРА

Когда говорят «восточное ис­кусство», первое, что вспоми­нается большинству людей,— это японская гравюра конца XVII — первой половины XIX века. Имен­но она представляет в глазах евро­пейцев наиболее яркие черты ис­кусства Востока. Красочная и вместе с тем изысканная, экзоти­ческая и понятная по содержанию гравюра впервые привлекла вни­мание художников и любителей искусства во второй половине XIX столетия.

Читайте также:  Текст книги «Самураи. Первая полная энциклопедия»

Японской гравюрой увлекались Тулуз-Лотрек, Мане, Дега, Ван-Гог. Знакомство с ней повлияло на творчество русских и советских художников: Билибина, Сомова, Остроумовой-Лебедевой, Митрохина, Верейского. Сей­час японская гравюра заняла до­стойное место в ряду значитель­нейших достижений мирового ис­кусства. Гравюру этого периода в отличие от современной принято называть классической.

Японская гравюра на дереве — это обрезная ксилография. Клише для нее изготовлялись на продоль­ном срезе грушевого или вишне­вого дерева. Эскиз художника накладывался на доску, и все линии обрезались с двух сторон острым ножом. При этом плавность рисун­ка древесных волокон не могла не сказываться на ее линеарном строе. Первоначально гравюра бы­ла одноцветной, и весь сравнитель­но небольшой тираж ее подкраши­вался от руки, что придавало про­изведениям особое очарование не­посредственности и рукотворности.

Ранний период развития японской гравюры

Ранний период развития гра­вюры датируется 1680—1760 года­ми.

Первым выдающимся масте­ром был Хисикава Моронобу (1618—1694). Его станковая гра­фика на любовно-лирические и жанровые темы отличалась калли­графической выразительностью линий, прославлением земной красоты, декоративностью, под­черкнутым стремлением к цвет­ности. Большинство произведений Хисикава Моронобу имеют гори­зонтальный формат, родственный формату книжного разворота. С книгой роднят их и виньетки в уг­лах листа.

У Окумура Масанобу, второго выдающегося мастера этого перио­да, наблюдается более самостоя­тельный подход к станковой гра­вюре. Хотя он еще предпочитает горизонтальные форматы, но ис­пользует и вертикальные, уже ни­как не связанные с книгой. К 1740-м годам в гравюре была выра­ботана техника двух-трехцветной печати, и Масанобу охотно приме­няет ее, изображая изысканные наряды своих героинь и атрибуты внешнего вида героев. Линии у Масанобу стали тоньше, изящнее, художник употребляет их целе­направленно: лица героев обрисо­ваны тончайшей нежной линией, а, например, детали обстановки или контуры одежды даны более толстой и грубой чертой, что при­дает гравюре многообразие выра­зительных средств.

Окумура Масанобу работал так­же и в области театральной гра­фики, но не был в ней таким нова­тором и энтузиастом, как Киёнобу. Масанобу предпочитал сюжеты, которые ближе к теме женской красоты. А надо сказать, что по традиции все роли в театре Кабуки исполняли мужчины. Окумура Масанобу избрал для себя тему нежных, женственных актеров-юношей — исполнителей женских ролей. На то, что они юноши, указывают только маленькие фио­летовые шапочки, закрывающие выбритый, как и подобает мужчи­не, лоб.

Тории Киёнобу (1644-1729) — театральный художник, изобра­жавший актёров театра Кабуки в самые драматичоские моменты представления. Он учился у своего отца, актёра и графика, и стал ос­нователем династии театральных художников Тории. В его работах оформился жанр «якуся-э» — портреты актёров, появлявшихся на афишах, программах, плакатах и в станковой гравюре.

Плакатность, легкая читаемость, укрупненность черт сказываются во всех произведениях Киёнобу. Талантливый художник, он сумел передать в гравюре всю динамику и драматизм сцен Кабуки, найти графический эквивалент герои­ческому исполнительскому стилю «арагото». Располагая парные композиции из двух борющихся актеров на вертикальном листе бу­маги, Тории Киёнобу вносит в композицию такое движение и страсть, каких до него гравюра не знала. Многие герои Киёнобу, как это было и в Кабуки, выступают полуобнаженными, причем все тело их загримировано в красный цвет — цвет справедливой ярости и силы. Актеры запечатлены в мо­мент наивысшего напряжения — так называемые кульминационные моменты «миэ», специально пред­назначенные для того, чтобы зри­тель зафиксировал на них взгляд. Что же может быть более привле­кательным для художника, чем та­кая поза? Герои как бы говорят: посмотрите на нас, какие мы силь­ные и могучие, как непримирима наша решающая схватка. И худож­ник передает самое существо этой позы. Для этого он использует спе­циально им изобретенные мазки «мимидзугаки» («червеобраз­ные») в передаче напрягшихся му­скулов, прием «хётан-аси» (упо­добление мускулистых ног тыкве-горлянке), да и все линейное ре­шение гравюры свидетельствует о напряженности каждой линии и мазка.

В театральной гравюре с самого начала широко использовались изображения монов — фамильных горбов актеров, которые в сильно увеличенном виде украшали их кимоно. Моны сами по себе ше­девры миниатюрной графики, вы­полненные в контрастной манере. Применение в гравюре вдвойне подчеркнуло их красоту и графи­ческую выразительность.

Второй период развития японской гравюры

На втором этапе развития гра­вюры (сородича 1760—1800-х годов) расширился круг её тематики, более ярким и глубоким ста­ло раскрытие эмоционального ми­ра человека, выявление характер­ных черт его внешнего облика. Это время нередко называют «золотым веком» японской гравюры. Оно ознаменовано деятельностью круп­нейших художников, применяв­ших листы разных размеров и развитую технику многоцветной печати.

Первым мастером, который на­чал работать в этой технике, был Судзуки Харунобу. Он не только внес в искусство ксилографии тех­нические новшества, но и исполь­зовал ее возможности в передаче сложного эмоционального состоя­ния своих героев и героинь. Ха­рунобу применил и богатейшую цветовую гамму, получаемую при печатании с семи и более досок, и такой прием, как раскат, созда­ющий плавный переход от темного к светлому. Главное, он употребил великое множество разных по ха­рактеру линий: и толстых черных, и цветных, и тисненых, дающих едва заметную впадину на мяг­кой бумаге.

Харунобу — создатель нового идеала красоты: юной девушки с изящной тонкой фигуркой и кро­шечными ручками и ножками. Прототипом ее послужила реаль­ная женщина — дочь зеленщи­ка Осэн, в честь которой современ­ными городскими франтами слага­лись стихи и песни. 15 одной из гравюр Харунобу показал Осэн, ведущую буйвола, нагруженного двумя огромными плетеными кор­зинами, а в корзинах — любовные признания и письма. Так в образ­ной форме Харунобу дал понять зрителю, насколько славилась кра­сота Осэн.

Харунобу показывает своих ге­роинь и в интерьере, и — что но вполне привычно для более ранней гравюры — на лоне природы. Зна­менитая гравюра Харунобу «Влюбленные в заснеженном са­ду» свидетельствует о тонком ли­рическом начало, которое гравюра могла выразить через пейзажные фоны.

Параллельно с Харунобу груди­лись и театральные графики, как прежней династии Тории, так и вытеснившие ее представители семьи Кацукава.

Произведения театральной гра­фики в численном отношении со­ставляют около половины всех японских гравюр. Велика и их художественная значимость. Раз­нообразие тем, драматизм, декора­тивные эффекты, заимствованные из театра Кабуки, свойственны этим гравюрам.

Основателем династии Кацука­ва был Кацукава Сюнсё (1726— 1792), который почти всю жизнь посвятил театральной теме. Бла­годаря ему она и зазвучала в пол­ную силу цвета, усвоив все дости­жения полихромией гравюры. Каждый образ Сюнсё неповторим. Это и центральные героические роли, и лирические женские, иг­раемые лучшими актерами. В ком­позициях Кацукава Сюнсё мы не­редко встречаем новую форму — триптих, появление которого было связано с желанием показать не только одного исполнителя, но и весь основной состав действующих лиц. Сюнсё вплотную приблизил­ся к изучению исполнительского искусства, проник даже за кулисы, где выдающиеся актеры репетиро­вали, одевались, гримировались, размышляли о спектаклях. Поме­щения, отведенные для этого, на­зывались «зелеными комнатами», и Сюнсё создал специальную жан­ровую разновидность гравюры — «зеленые комнаты».

Ученики и последователи Сюнсё продолжали творческие поиски учителя, стараясь все больше при­близиться к актеру, конкретнее передать его внешность. Кацукава Сюнко (1743—1812), например, сделал первые погрудные изобра­жения актеров на веерах и плака­тах, а Кацукава Сюнэй (1762 — 1819) исполнил погрудные компо­зиции-портреты на листах большо­го размера.

Китао Сигэмаса (1739-1820) был основателем школы Китао. Для нее характерно стремление передать сходство в портретах зна­менитых красавиц. Произведения Китао Сигэмаса недаром считают­ся примером хорошего вкуса в ис­кусстве «укиё-э». Его героини не­обычайно изысканны, их костюмы драпируются благородными склад­ками, общая композиция всегда «завязана» в прихотливый узел линий и контуров.

Тории Киёнага (1752— 1815) — представитель славной династии Тории, к удивлению современников, отверг свое знат­ное имя и подписывался толь­ко «Киёнага». Этим он провоз­гласил уход от театральной те­матики, от ставших для него тесными канонов поздних Тории. И действительно, Киёнага завое­вал славу и без знатной фами­лии. Достаточно сказать, что он был учителем великого Утамаро. Киёнага посвятил жизнь вос­певанию красоты женщин, хотя иногда обращался и к театру. Большинство ксилографии художника изображает бытовые сцены, прогулки и шествия, зна­менитых красавиц и даже во­преки запретам светскую жизнь.

Для героев Киёнага характер­но достоинство, спокойное изя­щество. Образы его идеальны. Фигуры имеют удлиненные про­порции и располагаются на ли­сте в величавом ритме шествия. Тонкий овал лица, маленький рот, миндалевидные глаза и черные густые брови — этими чертами Киёнага награждает почти всех персонажей. В Кабуки среди исторических пьес он предпочитает пьесы из придвор­ной жизни, романтические исто­рии, все, что так или иначе подразумевает действие героев выс­шего света. При их изображе­нии Киёнага избегает наивной роскоши, напыщенности. Одеж­ды персонажей не отвлекают взгляда от силуэта фигур, при­меняемый орнамент неназойлив, часто встречаются гладкие чер­ные кимоно.

Киёнага одним из первых вос­пел красоту и особую изыскан­ность черного цвета в полихромной гравюре. Удивительны те его графические листы, на ко­торых герои и героини предста­ют на фоне пейзажа. Это знаменитые триптихи «Двенадцать месяцев на юге». Но самой, по­жалуй, привлекательной гравю­рой является «Вечерняя прохла­да на берегу Окавы», где три красавицы, присев на помост, подставляют свои разгоряченные лица первому вечернему ветер­ку. В самом повороте голов де­вушек чувствуется, что они ощу­щают прохладу, и это невольно передается зрителю.

Киёнага не занимался портретированием. Эту задачу решил его прославленный ученик Китагава Утамаро (1753—1806) — один из лучших мастеров япон­ской гравюры. Только в 1790-х годах он выступил с самостоя­тельными работами, но его про­изведения сразу же получили повсеместное признание. С по­мощью плавной, текучей линии, то строго обобщающей объем, то тонко подчеркивающей дета­ли, он создал образ красавицы с изящной посадкой головы на удлиненной шее, идеальным ова­лом лица, приподнятыми, слов­но в удивлении, черными бровя­ми и маленьким алым ртом. Этот женский образ стал вопло­щением национального идеала красоты.

Художник прибегал к прие­мам, способным сделать восприя­тие произведения более ост­рым,— тени на бумажной стене выявляли красоту силуэта фи­гуры, прозрачные ткани, при­крывающие лицо, придавали от­тенок таинственности, рама зер­кала подчеркивала четкость овала отраженного в нем лица. Сохраняя черты идеализации, Утамаро стремился выявить в портретах характер, различие примет внешности, темперамен­та, привычек поведения (серии «Десять женских характеров», «Дни и часы женщин»). Его ге­роини не лишены жизненной до­стоверности. Особенно присуще это композициям на темы по­вседневного женского труда: се­рии «Шелководство», «Женщи­ны за шитьем». Пристальный интерес к человеку, его харак­теру повлек за собой создание серии «Большие головы», в ко­торой с наивысшей полнотой проявился талант Утамаро. Ксилографии выполнены в сложной технике полихромной печати на листах большого размера. Здесь художник применил слюдяной порошок, дающий эффект сереб­ристого мерцающего фона.

Если конец XVII века в жан­ровой гравюре прошел под эги­дой Утамаро и его последовате­лей, то в театральной гравюре тоже появилась фигура, не имею­щая себе равных. Это Тосюсай Сяраку. О жизни графика не со­хранилось никаких свидетельств, кроме ста пятидесяти велико­лепных гравюр, в большинстве своем театральных. Сяраку явил­ся сразу зрелым мастером; еще более загадочно то, что первые же его произведения изданы самым знаменитым издателем в наилучшем из возможных вариантов — в крупном форма­те, на серебряных фонах, не­сколькими сериями. Сколько ни гадали ученые о настоящем име­ни (Сяраку — псевдоним) и про­исхождении, все усилия рас­крыть тайну Сяраку оказались тщетными. Он настолько выде­лялся среди современных масте­ров гравюры, что подыскать близких ему художников, кото­рые могли бы оказаться его учи­телями или учениками, невоз­можно. Погрудные портреты ак­теров отличаются смелостью и артистизмом исполнения, пре­дельным накалом страстей. В них достигло апогея стремле­ние к характерности, постепенно нараставшее в театральной гра­вюре второй половины XVIII ве­ка. Сяраку работал меньше го­да — всего девять месяцев в 1794 и 1795 годах, и внезапное и пол­ное исчезновение его столь же необъяснимо, как и внезапное появление. Но, несмотря на крат­ковременность художественной карьеры, Сяраку успел войти в историю как выдающийся ма­стер японской театральной гра­вюры, мало кто мог сравниться с ними в прежних жанрах — изображе­нии актеров и красавиц. Но имен­но в XIX веке в гравюре появля­ется пейзаж, с которым связан последний расцвет классиче­ской японской ксилографии.

Самый выдающийся пейза­жист эпохи — Кацусика Хокусай (1749—1860). В ранние го­ды он примыкал к школе Кацукава, чьи приемы эмоциональ­но яркой трактовки человече­ского образа воплотились в книжных иллюстрациях и те­атральных гравюрах. В даль­нейшем Хокусай изучал также классическую живопись Китая и Японии. Об овладении бога­той художественной традицией классического Востока свиде­тельствует его многотомник ри­сунков «Манга», изданный в 1812 —1871 годах. В него вошли книги с изображением пейзажей, цветов, птиц, насекомых, живот­ных, а также меткие жанровые зарисовки и тщательные шту­дии человеческого лица, мими­ки и жестикуляции. С 1820-х го­дов основной темой Хокусая ста­новится пейзаж. В сериях гра­вюр вытянутого, вертикального формата «Новые мосты в раз­личных провинциях», «Путе­шествие по водопадам различ­ных провинций», «Поэты Китая и Японии» общая отвлеченная трактовка пейзажа, соответст­вующая средневековой тради­ции, сочетается с конкретно изображенными мотивами япон­ского ландшафта.

Самая знаменитая серия Хо­кусая — «36 видов Фудзи» в действительности содержит со­рок шесть пейзажей. В этой серии священная гора Японии пред­стает как символ нации и стра­ны. Хокусай проявил немалую изобретательность, чтобы пока­зать Фудзияму с самых разных, порой неожиданных точек зре­ния. Она то предстает у него ве­личественной, на первом плане («Южный ветер. Хорошая пого­да», «Гроза»), то отдаляется от нас, обрамленная завитком вол­ны или вписанная в круг огром­ной бочки, которую мастерит на побережье искусный бочар. Про­стые труженики или путеше­ственники, которых Хокусай не­редко включает в первый план произведений, не случайная для него деталь, а имеющее большой смысл изображение наро­да, нации, которую символизи­рует Фудзи.

Наряду с величественным об­разом природы, созданным Хокусаем, существовал тип пейза­жа, проникнутый тонким лири­ческим чувством. Его создате­лем был Андо Хиросигэ (1787 — 1858). Виртуозно, используя та­кие техники, как тиснение * и раскат **, Хиросигэ передает зыбкие, преходящие состояния природы, атмосферные эффекты снега, тумана, дождя, неповто­римое настроение каждого угол­ка родины.

*Тиснение — печатание гравюры при помощи неокрашенных досок, которые создают вдавленные в поверх­ность бумаги линии и плоскости.

** Раскат — прием, при котором слой густой краски раскатывается валиком по листу. При этом создается впечат­ление постепенного перехода от тем­ного к светлому.

Наибольшую славу ему принесла серия «53 станции Токайдо», то есть дороги, соеди­нявшей новую столицу Эдо со старой Киото. Хиросигэ проявил себя также большим мастером жанра «цве­ты и птицы». Известная гравю­ра художника

«Ласточки и ка­мелии в снегу» (около 1830) тре­петно передает ощущение первых холодов, опушивших снегом ветви камелий и заставивших ласточек взъерошить свои перья.Эта серия (1833 — 1834) запечатлела скромное обаяние японской провинции. Длительное время художник раз­рабатывал темы путешествий по стране, достопримечатель­ных мест провинции, городов Эдо и Киото. В гравюрах чувству­ется сильнейшая индивидуаль­ность мастера, сумевшего в каж­дом из сотен пейзажей увидеть его неповторимую прелесть и правдивую красоту.

У Андо Хиросигэ, так же как у Кацусики Хокусая, было не­мало подражателей. Среди них — Андо Хиросигэ II (1826 — 1869) и многие другие. Пробо­вали свои силы в пейзаже и пред­ставители театральной династии Утагава, которые в XIX веке образовали сильную разветвлен­ную школу, своего рода пред­приятие по выпуску театральных гравюр. Но надо признать, что за некоторыми исключениями художники Утагава в XIX веке не создали сколько-нибудь зна­чительных произведений, в том числе и в пейзаже. Хокусай и Хиросигэ остались двумя ма­стерами, с именами которых мы связываем наивысшие достиже­ния японской классической гра­вюры.

УКИЁ-Э (японск. ukiyo-e — «картины плывущего, исчезающего мира») — школа рисунка и гравюры на дереве в искусстве Японии XVII—XIX вв.

В XVII— первой половине XIX века в японском искусстве развилось направление «укиё-э» — «искусство быстротекущего ми­ра». Оно было порождено станов­лением нового городского сосло­вия — ремесленников и торговцев.

«…Жить лишь дарованным тебе мгновением, наслаждаться, любу­ясь луной, цветением вишен, осен­ними листьями кленов, петь песни, пить вино и развлекаться, ничуть не заботясь о нищете, вызывающе глядящей нам в лицо, бездумно отдаваться потоку, подобно тыкве, бесстрастно влекомой течением реки. Это то, что мы называем укиё-э»

— так говорили горожане новой столицы Эдо (с 1714 года) и старой Киото.

Искусство этого мира — «укиё-э» и прежде всего гравюра — стало отражением всей жизни горожан, их вкусов, интересов, мод. В отли­чие от аристократической живо­писи средних веков гравюра на дереве была многотиражной, до­ступной по цене, воистину попу­лярной. Она основывалась на тра­дициях книжной графики, прог­рамм излюбленного театра горо­жан — Кабуки, но только с появ­лением станковой графики (то есть в понимании японцев — гра­вюр на отдельных листах) она стала приобретать все большее значение как самостоятельный вид искусства.

Совпадает с периодом правления династии Токугава (1603—1868), или Эдо (по древнему наименованию столицы Японии г. Токио). Этот период характерен развитием городской культуры. Художники стремились отразить новую эстетику скоротечности жизни в быстро меняющемся мире. Отсюда название. Термин «укиё-э» заимствован из философии буддизма, где он обозначал «суетный», или «быстротекущий мир».

В XV в. этот термин понимали как «изображение повседневной действительности», а в XVII в. под тем же словом стали подразумевать «мир развлечений и удовольствий». Термин «укиё-э» в 1661 г. впервые употребил писатель Асай Рёи.

Мастера укиё-э изображали сценки из жизни торговцев, ремесленников, городские и сельские пейзажи, сцены спектаклей театра Кабуки, портреты популярных актеров в сценическом гриме и костюмах, портреты знаменитых красавиц и гейш.

Помимо традиционной техники цветной ксилографии (гравюры на дереве) художники создавали расписные ширмы из шёлка или бумаги для жилого интерьера, свитки для токонома (стенной ниши). Такие свитки можно было переносить с места на место или рассматривать вместе с гостями, медленно перематывая с рулона на рулон.

Особенности школы укиё-э складывались под воздействием вкусов новых заказчиков произведений искусства: торговцев, богатых горожан — тёнин, городских меценатов, покровителей театра и литературы. Именно в это время стали ценить дорогие безделушки — инро, нэцкэ.

В школе укиё-э формировались новые для японского искусства бытовые жанры — изображения чаепития, музицирования, утреннего туалета красавиц, жизни служанок.

Новые приемы изображения появлялись под влиянием западноевропейского искусства. Начало этого процесса относят к 1543 г., когда в Японию прибыли португальские мореходы. И хотя в дальнейшем последовало запрещение христианства (1597) и закрытие страны для иностранцев (1633—1640), через порт Нагасаки продолжали поступать произведения искусства соседнего Китая, а также западноевропейские гравюры. Японцы переработали европейские приемы светотени и объемной моделировки формы и создали на этой основе оригинальный стиль. Одним из проявлений этого стиля были «мэганэ-э» («картины сквозь очки») — их рассматривали через специальные увеличительные линзы, создающие эффект стереоскопии (трехмерности).

Таков был первый результат взаимодействия традиций Запада и Востока в понимании пространственности изображения. Японские художники использовали способы построения западноевропейской перспективы (центральной проекции с одной точкой схода), но трактовали их по-своему.

Основателями школы укиё-э считают рисовальщиков И. Матабэй и Х. Моронобу. Их рисунки использовали граверы по дереву. Постепенно, по мере усвоения новых приемов в картинах укиё-э складывалась особая система понимания изобразительного пространства, отличная как от европейской, так и от традиционной японской.

Если в гравюрах К. Утамаро (1754—1806), великого мастера жанров бидзинга и окубиэ, и Судзуки Харунобу (1725—1770) еще преобладает старый стиль, то в произведениях Кацусика Хокусая (1760—1849) и Андо Хиросигэ (1797—1858) более заметны западноевропейские приемы отображения пространства. Однако в дальнейшем перспективные приемы растворяются в композиционной структуре, свойственной национальным традициям японского пейзажа.

БИДЗИНГА (японск, bidzinga — «изображение красавиц» от bi — «красота») — жанр традиционной японской графики школы укиё-э, предметом которого является изображение прекрасных женщин, знаменитых красавиц, гейш, обитательниц «веселых» кварталов японской столицы Эдо. Сложился в XVII в., вначале в изображениях тушью на свитках. В XVIII в. в цветных гравюрах на дереве в этом жанре прославились С. Харунобу, Т. Киёнага и великий Китагава Утамаро (1754—1806). В работах этих художников под влиянием их прекрасных моделей сложился особый, изысканный стиль графики и утонченный образ «типичной» красавицы с удлиненным овалом лица, изогнутой шеей и крошечным ртом. Изображались сцены туалета, чайной церемонии, прогулок и незатейливых игр. В жанре «бидзинга» совершенствовался уникальный стиль японской графики, основанный на выразительности силуэта, музыкальной игре тончайших линий и гармонизации блеклых тонов : серебристого или золотистого фона, нежных розовых, голубоватых, жемчужно-серых и палевых красок. Для получения «коралловых», «табачных», «горчичных» оттенков красители смешивали с рисовой мукой. Вместе с мелким кружевным узором, передающим шитье одежд, эти «закрытые» тона создавали эффект, получивший название «нисикиэ» («парчовые картины») или гравюр «парчового стиля». Наивысшим достижением японского искусства в жанре «бидзинга» стала серия цветных ксилографий К. Утамаро «окубиэ» («большие головы») — шедевры стилизованного лирического портрета. Гравюры бидзинга оказали влияние на творчество французского художника постимпрессиониста Э. Дега (термин «бидзинга» следует отличать от «бундзинга»).

ОКУБИЭ (японск. okubi-e — «большие головы») — жанровая разновидность и композиционный тип классической японской гравюры на дереве в жанре бидзинга «изображение красавиц» школы укиё-э. Представляет собой погрудные портреты знаменитых городских красавиц — гейш в обыденной, домашней обстановке. Создатель окубиэ — выдающийся японский рисовальщик и гравер Китагава Утамаро (1754—1806). В 1791—1799 гг. этот замечательный художник создал серию гравюр, отличающихся нежной грацией, изысканной стилизацией традиционных мотивов, утонченностью цветовых отношений. За эту серию Утамаро прозвали «художником женщины».

«ПАРЧОВЫЙ СТИЛЬ» — термин употребляется в трех основных значениях. Во-первых, «парчовым стилем» называют разновидность японских цветных гравюр на дереве школы укиё-э второй половины XVIII в., характерных особенным колоритом нежных, тончайшим образом гармонизированных тонов: охристого, золотистого, розового, палевого, серебристого с мелким узорчатым рисунком — орнаментом, заполняющим поле листа и напоминающим парчу. Наиболее ярко «парчовый стиль» проявился в ксилографиях С. Харунобу и К. Утамаро. Судзуки Харунобу (1724—1770) в 1760-х гг. первым стал использовать технику кэнто́ (японск., «прямой угол»). Лист бумаги при многокрасочной печати последовательно переносили с одной доски (печатной формы с накатанной краской определенного цвета) на другую. Специальные ограничители — прямоугольные рамки, установленные в стыках граверных досок, — обеспечивали совпадение различных частей изображения. Для получения тончайших оттенков: коралловых, табачных, горчичных, Харунобу подмешивал в краски рисовую муку. Японское название этой техники — «нисики-э» («парчовые картины»). Особенно изысканно в подобных гравюрах выглядит орнаментация одежд, изображающая узоры парчи.

Второе значение термина «парчовый стиль» имеет отношение к росписи японского фарфора сацума.

Третье — к росписи китайского фарфора «розового семейства», которая также ассоциируется с узорами парчовых тканей того времени.

УТАГАВА (японск. Ut’agawa — «Река песен») — школа классической японской гравюры на дереве конца XVIII — начала XIX в. Развивалась в границах национальной школы укиё-э. Основана японским художником Тойохару (1735—1814), принявшим имя Утагава. Он один из первых использовал приемы западноевропейской перспективы и тональных моделировок. Учеником Тойохару Утагава был рисовальщик и гравер Тойокуни (1769—1825) — его произведения отличаются изысканной пластикой линий и цвета. Зять и последователь Тойокуни — Тойокуни Второй (1777—1835) — живописец, гравер и керамист. Его настоящее имя Тойошиге, но подписывался он как Утагава Тойошиге (после кончины учителя Тойокуни Первого он взял себе его имя). К школе Утагава причисляют также рисовальщика и гравера Куниёси Утагава (1797—1861), который также использовал в своем творчестве элементы западноевропейского искусства, хотя изображал преимущественно самураев и героев японского Средневековья. В 1850-х гг. Куниёси возглавлял большую мастерскую, в которой работали его дочь (женщина-гравер — редкий случай для Японии того времени) и многочисленные ученики. Знаменитый художник школы укиё-э Андо Хиросигэ (1797—1858) иногда выступал под именем Утагава, подчеркивая принадлежность к этой школе. В целом художники Утагава отражали эстетику городской культуры Японии периода Эдо (1603—1868).

Обучающие и игровые гравюры

Гравюры печатали, чтобы облегчить детям обучение чтению азбуки или иероглифов, а также запоминание названий цветов, птиц, и т.д. В эпоху Мэйдзи, когда Япония стала открытой для мира и началось обучение английскому языку, были напечатаны гравюры, чтобы изучать алфавит и базовый словарь этого языка.

Никто бы сегодня не осмелился резать японскую гравюру. Однако многие из них были предназначены именно для этих целей. Например, театральные подмостки кукол и вырезаемое кимоно, запускаемые макеты и т.д. Напечатанные игры в дурака радовали как детей, так и взрослых. Ребусы и гравюры игр китайских теней также высоко ценились.

(слева направо) Утагава Куниёси “Загадки для воинов”, 1847-1852. Утагава Хиросигэ “Игры с тенью, экспромт. Заход судна в порт и подставка для пиал , 1830-1843. Музей Хаги Урагами

Значимость укиё-э в истории искусства (Найто Масато)

«Микаэри бидзин-дзу» («Обернувшаяся красавица») работы Хисикавы Моронобу. Моронобу заложил прочные основы техники деревянной гравюры, но в то же время создал большое число никухицу укиё-э (живопись в стиле укиё-э), подобных этому шедевру. (Собственность Токийского государственного музея; репродукция из Архива изображений ТГМ).

«Мэйсё Эдо хяккэй, Камэйдо умэ ясики» («Сливовая усадьба Камэйдо» из серии «Сто знаменитых видов Эдо») работы Утагавы Хиросигэ.

Для этой серии, созданной Хиросигэ в последние годы его жизни, характерна смелая композиционная трактовка. (Собственность Музея Хаги Урагами).

«Цветущая слива» работы Винсента Ван Гога.

Копия гравюры Хиросигэ «Сливовая усадьба Камэйдо» была выполнена маслом. (Фотография предоставлена «Афло».)

Укиё-э — окно в мир массовой культуры Старого Эдо

Расцвет искусства гравюры на дереве укиё-э приходится на период Эдо (1603-1867), на протяжении которого Япония была, по сути, отрезана от внешнего мира. С самых ранних дней феодальное правительство Эдо (нынешний Токио), именуемое сёгунат, осуществляло жесткий курс на запрет христианства и изоляцию страны. Морские сообщения и торговля велись лишь с Кореей, Китаем и Голландией. В силу того, что внешние влияния проникали в очень ограниченном объеме и лишь через немногие порты, японская культура развивалась в закрытой изолированной среде.

В ту пору лозунг «искусство ради искусства» был не актуален для Японии. Примерно до конца эпохи Эдо художники стремились в императорскую столицу Киото, по-прежнему бережно сохранявшую культурные традиции, однако их работы все чаще продавались в набирающей силу столице Эдо. Но и здесь существовало свое самобытное искусство, которым Эдо мог по праву гордиться, — гравюра на дереве укиё-э, с неудержимой энергией изображавшая повседневную жизнь простых людей и их культуру. Этот жанр получил широкое распространение в форме отдельных гравюр, книжной иллюстрации, а также картин.

Слово укиё-э записывается тремя иероглифами: («плыть, плавать»), («мир») и («картина»). Слово вошло в широкое употребление в первой половине периода Эдо. Укиё часто переводят как «изменчивый мир», а еще точнее будет сказать «мир сейчас, в данный момент времени». И действительно, это искусство изображает суетную повседневную жизнь текущего дня.

Укиё-э появилось в середине XVII века и очень скоро обрело популярность в быстро развивающемся Эдо. Пионерами этого жанра стали Хисикава Моронобу (ок. 1618-1694) и его последователи. Они изображали преимущественно красивых женщин невысокого ранга, актеров кабуки, рисовали эпизоды народной жизни и сцены из популярных романов. Новое искусство пришлось по вкусу простым людям. Традиционная культура, оплотом которой была древняя столица Киото, приняла вызов неожиданно получившего известность искусства гравюры, изобилующей сценами современной жизни и выражавшей новое общественное сознание Эдо. Укиё-э оставалось важнейшим жанром в течение длительного времени, хотя нам больше известны позднейшие работы, роскошные, красочные «парчовые картины», которые были созданы выдающимися художниками, творившими начиная с середины XVIII века. Сегодня мы знаем в основном именно эти, поздние, произведения укиё-э.

Укиё-э преодолевает морские пределы

Еще до появления укиё-э японцы полюбили изображать повседневную жизнь. Ценителем ранней бытовой живописи была знать, возможно, поэтому позднее жанр укиё-э завоевал любовь членов императорского дома в Киото, сёгунов Эдо и феодальных князей даймё по всей стране.

Часть произведений укиё-э экспортировалась за рубеж, где это искусство вызвало живой интерес, приоткрыв завесу, за которой скрывалась культура загадочного архипелага на Дальнем Востоке. Согласно письменным данным, ряд работ Китагавы Утамаро (1753-1806) был вывезен в Китай. Некоторые гравюры попали даже в Соединенные Штаты, куда они были доставлены в качестве сувениров американским кораблем, под видом датского судна зашедшим в бухту Нагасаки и попытавшимся обойти изоляционную политику сёгуната. Это были подлинные гравюры укиё-э. Другие произведения в жанре укиё-э попали за границу разными путями: глава датского торгового дома в Нагасаки поручил художнику, работавшему в стиле Хокусая (1760-1849), запечатлеть сцены японской жизни, а прибывший в Японию примерно в то же время немецкий военный врач Филипп Франц фон Сибольд также заказал графическое выполнение и печать подобных работ. Гравюры, вывезенные в Европу двумя этими иностранцами, по сей день хранятся в собраниях Голландии и Франции.

Данные эпизоды свидетельствуют о том, что за рубежом гравюры укиё-э ценили прежде всего не за их художественные достоинства, а за отражение в них обычаев и природы Японии, удаленной и фактически отрезанной от внешнего мира. Прошло немало времени, прежде чем представители других стран начали воспринимать укиё-э как настоящее искусство.

Влияние укиё-э на тенденции мирового искусства

Международная выставка 1867 года в Париже, проводившаяся в последний год эпохи Эдо, стала первой всемирной выставкой, в которой приняла участие Япония. Японская экспозиция включала множество произведений укиё-э, в том числе «парчовые гравюры» и сцены из иллюстрированных печатных книг, а также живопись и свитки макимоно. Благодаря этой выставке многие европейцы познакомились с деревянной гравюрой. Так укиё-э повлияло на появление новых художественных тенденций на Западе.

Несколько европейцев, включая влиятельного французского романиста и критика Эдмона Луи Антуана де Гонкура, сумели приобрести образцы укиё-э еще до парижской выставки 1867 года. Это были довольно новые гравюры, преимущественно работы Хокусая и Хиросигэ. Но в начале 1880-х годов внимание Запада начали привлекать художники предыдущего поколения, такие как Утамаро и Тории Киёнага (1752-1815). Вскоре спрос на укиё-э невероятно вырос, и в ответ на это в Париже появились магазины, способные удовлетворить взыскательным требованиям как коллекционеров, так и художников. Со временем волна увлечения укиё-э охватила всю Европу, оставив центральную роль в этом движении за Францией.

Примерно тогда же импрессионисты и их преемники стали выступать против устоявшихся взглядов на искусство, поддерживаемых Академией изящных искусств. Под влиянием японской гравюры некоторые из художников начали воссоздавать в своих работах композиционные принципы, звучный колорит, лаконичность и спонтанность линий укиё-э. Внутренняя близость к мастерам старинной японской гравюры присуща таким художникам, как Дега, Моне, Ван Гог и Гоген. Особенно примечательно в этом отношении творчество Ван Гога, выполнившего в масле несколько копий с гравюр Хиросигэ. Ван Гог коллекционировал произведения укиё-э, и, в его представлении, отсутствие теней и плоскостный характер полихромных изображений, вышедших из-под деревянного пресса, обеспечивали особую ясность и четкость стиля. Похоже, художник ошибочно полагал, что источником этой ясности является климат Японии с ее ярким интенсивным солнечным светом. Это убеждение привело его в южнофранцузскую область Прованс, полюбившуюся ему за то, что, как считал художник, свет здесь был очень схож с японским.

Пора наивысшего расцвета укиё-э приходится на период Эдо, окончание которого совпало со временем, когда Европа и Япония оказались увлечены непохожестью своих культур. И гравюры, как ничто другое, позволили европейцам проникнуться этим очарованием. Искусство укиё-э было частью субкультуры, гены которой сегодня унаследовала новая культура японских манга и комиксов, завоевавших широкую популярность во всем мире. Этот неизбежный переход от старого к новому кажется весьма естественным.

Эссе Найто Масато, доцента Университета Кэйо Источник: nippon, 2009 no. 02

(1) Фрагмент самой известной в мире гравюры укиё-э «Фугаку сандзюроккэй, Канагава оки нами-ура» («Большая волна в Канагаве» из серии «Тридцать шесть видов горы Фудзи») работы Хокусая. Лаконичность и выразительная композиция этого шедевра производят мощное впечатление. (Собственность Музея Хаги Урагами). (2) Веера утива, которыми пользовались горожане старинного Эдо, иногда украшались гравюрами укиё-э. На представленном здесь рисунке утива-э работы Утагавы Куниёси, известного любителя кошек, эти животные показаны в виде персонификаций людей. Произведение называется «Нэко-но рокукэ сэн» («Кошачья пародия на шесть поэтов»). (Собственность Токийского государственного музея (ТГМ), иллюстрация из Архива изображений Токийского государственного музея).

Гравюры-газеты

К концу эпохи Эдо японцы все более и более заинтересовывались обычаями иностранцев, и были напечатаны многочисленные гравюры, представляющие иностранцев в их повседневной жизни.

Японские гравюры были также очень полезны в период, когда газеты еще не существовали, чтобы распространять информацию в наиболее отдаленные провинции. Таким образом, продавали гравюры, представляющие в форме иллюстрированного листа такие значимые происшествия, как кончина великого актера Кабуки, стихийные бедствия, преступления, и т.д.

Многочисленные другие виды гравюр, как те, что представляли известных воинов, чудовищ, ёкаи и других духов, развлекали японцев.

(слева направо) Утагава Хиросигэ III “Америка, Франция, Нанкин”, 1860. Кацусика Хокусай “Сто легенд. Дом с разбитой тарелкой”, 1831-1832. Музей Хаги Урагами

LiveInternetLiveInternet

АРТПРОСВЕТ:

Укиё-э — японская ксилография. «Картины изменчивого мира»

Невероятно, но факт: гравюры, которыми в свое время очаровывались модные европейские художники, в которых черпали вдохновение импрессионисты, перенимая новые способы выразительности, сами японцы даже не считали произведениями искусства.

Кацусика Хокусай. Южный ветер. Ясный день (Красная Фудзи)
Своим широким распространением в период Эдо гравюры укиё-э обязаны относительной дешевизной. По сути, изначально они носили чисто утилитарную функцию: рекламировали услуги обитательниц веселых кварталов разной степени популярности и престижности, изображали актеров театра кабуки, иллюстрировали всякого рода беллетристику.

Утагава Хиросигэ. Цветущие вишневые деревья в вечернее время на Накономаши в Ёсиваре. Серия «Известные места восточной столицы», 1835

Гравюра Хиросигэ — квинтэссенция философии и излюбленных тем укиё-э: луна, вишневый цвет, мимолетные вечерние сумерки, гейши и знаменитый весёлый квартал Ёсивара.

Укиё-э: начало

Среди многих заимствований из Китая была и ксилография — техника печати гравюр с деревянных брусков. Завезенная в Японию еще в VIIIвеке, использовалась она преимущественно в духовных сферах: в качестве изображения буддийских святых и иллюстраций к священным текстам.

Массовое производство ксилографию ожидало значительно позже, причем толчком к этому послужили политические процессы. В 1603 году сёгуном стал Токугава Иэясу, первым делом он изволил основать собственный сёгунат, столицей которого был определен захолустный Эдо (там у новоявленного правителя располагалась резиденция). Так деревня на болоте сделалась новой столицей Японии. И является ею до сих пор, только мы знаем этот город под названием Токио.

Эдо быстро разрастался, это способствовало появлению нового японского сословия горожан. Именно они и были основной целевой аудиторией недорогих гравюр, которые мог позволить себе каждый житель: стоимость гравюры в то время была сопоставима с ценой чашки лапши. Тогда как традиционная японская живопись оставалась по-прежнему дорогим удовольствием, доступным лишь избранным.

Утагава Хиросигэ. Ночной вид канала Санъя-бори у горы Мацутияма. Серия «100 знаменитых видов Эдо», 1857

Мост Маннэн-баси в районе Фукагава. Серия «100 знаменитых видов Эдо»

Храм Конрюзан в Асакуса. Серия «100 знаменитых видов Эдо»

Алые листья кленов в Мама, святилище Тэкона и мост Цуги. Серия «100 знаменитых видов Эдо»

Скаковой круг Хацунэ в квартале Бакуро. Серия «100 знаменитых видов Эдо»

Павильоны цветов и сад на склоне Дангодзака в квартале Сэндаги. Серия «100 знаменитых видов Эдо»

Звездная зимняя ночь, дровяные склады в районе Фукагава. Серия «100 знаменитых видов Эдо»

Городские улицы в парадном убранстве в праздник Танабата. Серия «100 знаменитых видов Эдо»

Веселые картинки

Цветными ксилографии стали далеко не сразу. Поначалу гравюры выпускались в виде черно-белых книг, а цвета вводились в них постепенно. Сначала их подкрашивали вручную киноварью — смесью из серы и ртути, дававшей оранжево-красноватый цвет (также известный под названием «китайский красный»). Дикий шафран давал более глубокий оттенок красного. Некоторые мастера красили ксилографии черным лаком.

Хисикава Моронобу. Объятия влюблённых, 1680

Родоначальником японской гравюры в ее традиционном виде считается Хисикава Моронобу. В 1660 году он был первым, кто начал издавать отпечатки отдельными листами. А вот пионером в области создания полихромных гравюр стал художник Судзуки Харунобу. Многоцветные оттиски стали называть «парчовыми картинами» (нисики-э).

Судзуки Харунобу. Женщина разворачивает любовное письмо, 1768

Сам термин пришел из буддизма, где этим понятием обозначали изменчивость, мимолетность окружающей действительности. «Укиё-э» в переводе с японского означает «картины плывущего мира». Поначалу данным словом характеризовали как живопись, так и гравюры, изображавшие повседневную жизнь горожан, но с ростом популярности и распространения гравюры направление укиё-э стало ассоциироваться главным образом с этим видом изобразительного искусства.

Дело техники

В отличие от станковой живописи, где главным и чаще всего единоличным творцом является художник, в создании одной-единственной гравюры задействован целый подряд. И художнику отводилась в ней не всегда первая роль. Он делал рисунок тушью на прозрачной бумаге. А вот реализация его замысла в большой степени зависела от мастерства резчика, и даже не одного.

Современная реконструкция создания ксилографии. Этап первый: эскизы с обозначенными зонами разных цветов, для каждого из которых будет вырезана отдельная пластина. Фото реконструкции здесь и ниже: mokuhankan.com

Вырезали печатные формы на вишневых, грушевых или самшитовых досках продольного разреза. Иногда резчики специализировались на тех или иных видах гравировки. Самой сложной частью процесса были лица и в особенности — прически, где отдельно вырезался каждый волосок. Менее виртуозные мастера брались за одежду, а подмастерья завершали самые простые детали.

Этап второй: готовые пластины, на оставшиеся плоскими части которых будет наноситься краска соответствующего оттенка.

Печатник, получив инструкции от художника касательно цветов, смешивал натуральные пигменты для получения необходимых оттенков и делал отпечатки на влажной бумаге. Часто на гравюры наносили и стихи. Их мог сочинить сам художник, либо, в отсутствие поэтического таланта, использовать произведение стороннего автора.

И завершающим штрихом была печать цензора, который проверял все ксилографии на соответствие законам, запрещавшим изображать государственных или военных деятелей, а также иллюстрировать исторические либо современные события.

Решающую роль в создании гравюр укиё-э нередко играл издатель. Именно он мог сделать известным того или иного художника, и, подобно современным продюсерам, вывести в люди новые таланты. От того, каким штатом мастеров располагали издатели, зависело, насколько технически совершенными будут работы художников, с которыми они сотрудничали. Одним из наиболее влиятельных был Цутая Дзюдзабуро, благодаря которому на художественном небосводе засияли звезды Китагавы Утамаро и Кацусики Хокусая

От эротики до привидений

Число тем и сюжетов в укиё-э поначалу было довольно ограниченным. Это были, прежде всего, театральные гравюры, изображавшие популярных актеров театра кабуки (такие картинки назывались якуся-э) и бидзинга — «картины красавиц». Последние посвящались в первую очередь куртизанкам, гейшам, девушкам из чайных домиков и служили для них рекламой. Чуть позже возникли муся-э (гравюры по историческим мотивам) и суримоно — поздравительные открытки, которые выпускались ограниченным тиражом по спецзаказу представителей состоятельного сословия к различным поводам и праздникам.

Китагава Утамаро. Высшее общество XVIII век

Признанный авторитет в жанре бидзинга — Китагава Утамаро. Его красавицы стали эталоном японской женской красоты, а почерк — безошибочно узнаваемым: грубо говоря, «губки бантиком, бровки домиком».

Комурасаки из Тамаи с трубкой в руке

Лентяйки

Девушка, дующая в свисток

Тайная любовь

Гейша с трубкой

Гейша Камекити
Одним из наиболее ранних и популярных жанров был также сюнга — гравюры эротического и местами порнографического содержания зашкаливающего для европейской культуры уровня откровенности (хотя люди на них чаще всего больше одеты, чем раздеты). Японцев никакие натуралистические подробности не смущали: для них это всего лишь одна из естественных сфер человеческого бытия, такая же, как принятие пищи — а вот его как раз на гравюрах изображали куда реже. Огромным спросом пользовались иллюстрации сказок, мифов и преданий, и чем страшнее, тем лучше. Японцы обожают рассказы о призраках и монстрах, это нашло отражение и в ксилографии. Признанные мастера создавали целые циклы, такие как «100 историй о призраках» Хокусая. Чего только стоит лист этой серии, посвященный самому известному в Японии привидению-онрё — Оиве.

Вверху: Оива по версии Утагавы Куниёси, а внизу — подборка уморительных гравюр его же авторства, иллюстрирующих сказки о приключениях карпов кои.

Японские сказки о рыбах: Последний этап алкогольной вечеринки

Японские сказки о рыбах: Золотая рыбка пускает мыльные пузыри

Японские сказки о рыбах: внезапный ливень из водомерок

Японские сказки о рыбах: Матои, парад рыбок-пожарных

Японские сказки о рыбах: Сто страшных историй
Представителям флоры и фауны вообще отводилось почетное место в японской ксилографии, и отдельный подвид — катёга — посвящен изображению птиц, рыб и цветов. А вот пейзаж в качестве самостоятельного жанра, как и в европейской живописи эпохи Ренессанса, в направлении укиё-э тоже выделился относительно поздно. Эту революцию совершил Кацусика Хокусай, выпустив серию «36 видов Фудзи». Альбом имел ошеломительный успех, после которого мастер приобрел массу последователей и подражателей.

Художники гравюры укиё-э

Утагава Хиросигэ, Хисикава Моронобу, Судзуки Харунобу, Кацусика Хокусай, Утагава Куниёси, Китагава Утамаро, Каванабэ Кёсай, Утагава Кунисада, Цукиока Ёситоси, Кэйсай Эйсэн, Тоёхара Кунитика, Огата Гэкко Хасуи Кавасэ.

Знаковые гравюры укиё-э

Кацусика Хокусай. Большая волна в Канагаве, 1832

«Большая волна в Канагаве» Кацусики Хокусая — один из наиболее тиражируемых образов изобразительного искусства, который можно встретить в самых неожиданных ипостасях: начиная с логотипов, уличных скульптур и заканчивая обложкой первого издания симфонического произведения «Море» Клода Дебюсси (1905).

Китагава Утамаро. Три красавицы наших дней

«Три красавицы наших дней» Китагавы Утамаро — гравюра, сохранившая для вечности лики самых популярных девушек во всем Эдо на момент ее написания — О-Киту, О-Хису и Томимото.

Утагава Хиросигэ. Цветущий сливовый сад в Камейдо, 1857. Ксилография, Бумага

Утагава Хиросигэ. Внезапный летний ливень над мостом Охами в Атакэ. Серия «100 знаменитых видов Эдо», 1857. Ксилография, бумага

Утагава Кунисада. Ейтайбаси: Актер Сегава Кикунодзё III в роли Миурайи Такао. Серия «Портреты и известные места в Эдо»

Цукиока Ёситоси. Поэт Басё и Лунный фестиваль.
Серия «100 видов луны»

Кацусика Хокусай. Вид на Фудзи с горы Готэнъяма

у реки Синагава, 1802

Автор: Наталья Азаренко

Источник

Серия сообщений «Японское, китайское и корейское искусство»:
Часть 1 — Актеры театра кабуки… Утагава Кунисада (Japan, 1786-1865) — один из известнейших мастеров японской гравюры Часть 2 — Природа в стиле сансуй (живопись на шёлке). Японские пейзажи кисти Koukei Kojima … Часть 12 — Не сакурой единой: любимые цветы японских художников Часть 13 — Китайское искусство: Чен Чонг Пинг (Chen Chong Ping) Часть 14 — АРТПРОСВЕТ: Укиё-э — японская ксилография Часть 15 — Рассказы о живописи и картинах: Китагава Утамаро. Три красавицы наших дней Часть 16 — Картина дня: Цукиока Ёситоси. Благородная домохозяйка периода Мэйдзи,1888 … Часть 36 — Китайский художник Zou Chuanan Часть 37 — Китайский художник нео-импрессионист Hong Leung Часть 38 — Портрет: Японский художник Ичиро Цурута (Ichiro Tsuruta)

Серия сообщений «АРТПРОСВЕТ»:
Часть 1 — АРТПРОСВЕТ: Лучизм по-русски, или Все мы немного лучисты Часть 2 — АРТПРОСВЕТ: Альберт Гийом (1873-1942), французский художник … Часть 8 — АРТПРОСВЕТ: Назарейцы, или Немецкие монахи-художники в Италии Часть 9 — Запомните одно стихотворение — и вы знаток живописи! Часть 10 — АРТПРОСВЕТ: Укиё-э — японская ксилография Часть 11 — Так что же на самом деле обозначают известные картины? Часть 12 — АРТПРОСВЕТ: «Бубновый валет», или Откуда родом русский авангардизм Часть 13 — АРТПРОСВЕТ: Пуантилизм — точка в деле неоимпрессионизма

Суримоно

(слева направо) ЯСИМА ГАКУТЭЙ (1786 (?) — 1868) Дзюродзин. 1825 (?), Цветная ксилография Из серии «Уподобление семи богам счастья» КАЦУСИКА ХОКУСАЙ 1760 (?) — 1849) ( Три фигуры перед расписной ширмой. 1799–1808, Цветная ксилография Стихи Номити Кисандзи: Вместе с Дайкоку Куртизанка, прекрасная словно Бэнтэн, Гуляет В храме Эбису. Весенний день.

Единственные подлинно художественные гравюры, не контролируемые цензурой, были суримоно. Великолепные укиё-э, которые являлись предметом частных заказов и никогда не предназначались для продажи, а были посланием, подарком, выраженным с помощью изображения, текста (чаще всего в форме стихов) и каллиграфии. Использовались самые мягкие материалы, самые великолепные красители, самые изощренные методы гофрировки, полутонов цветов и, без счета — золотой порошок и деньги для реализации этих произведений великой красоты.

Каванабэ Киёсай (1831-1889)

Они должны были восхищать, как все другие гравюры, их держали слегка согнутыми в руках, для того, чтобы дать почувствовать изысканность цветов и сияющие части.

Процесс создания

Печатная форма в процессе изготовления
Для создания укиё-э требовались художник, резчик и печатник[2]. Укиё-э изготовлялись следующим образом. Художник тушью делал на тонкой бумаге прототип гравюры, резчик приклеивал этот рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита и вырезал из неё области, на которых бумага была белой, получая таким образом первую печатную форму, но уничтожая сам рисунок. Потом делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения на получившийся набор форм и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.

Классические японские гравюры. Картины художников

Когда говорят “восточное искусство”, в представлении часто возникает образ японской гравюры конца XVII – первой половины XIX века. Именно она, в глазах европейцев, представляет наиболее яркие черты искусства Востока. Красочная и изысканная, экзотическая и понятная по содержанию гравюра впервые привлекла внимание художников и любителей искусства во второй половине XIX столетия. Японской гравюрой увлекались Тулуз-Лотрек, Мане, Дега, Ван-Гог. Знакомство с ней повлияло на творчество ряда российских художников: Билибина, Сомова, Остроумовой-Лебедевой, Митрохина, Верейского. Сейчас японская гравюра заняла достойное место в ряду достижений мирового искусства. Гравюру этого периода, в отличие от современной, принято называть классической.

Вечерняя сцена в Синагава. Фрагмент диптиха. 1780-е гг. Т.Киёнага.

В XVII первой половине XIX века в искусстве японской гравюры развилось направление гравюры укиё-э – искусство отображения быстротекущего мира.

Ее появление было связано со становлением нового городского сословия ремесленников и торговцев. …Жить лишь дарованным тебе мгновением, наслаждаться, любуясь луной, цветением вишен, осенними листьями кленов, петь песни, пить вино и развлекаться, ничуть не заботясь о нищете, вызывающе глядящей нам в лицо, бездумно отдаваться потоку, подобно тыкве, бесстрастно влекомой течением реки. Это то, что мы называем укиё так говорили горожане новой столицы Эдо (с 1714 года) и старой Киото.

Японские гравюры “укиё-э” стали отражением всей жизни горожан, их вкусов, интересов, мод. В отличие от аристократической живописи средних веков, гравюра на дереве была многотиражной, доступной по цене и воистину популярной. Она основывалась на традициях книжной графики, программах излюбленного театра горожан Кабуки, но только с появлением станковой графики (то есть, в понимании японцев гравюр на отдельных листах) стала приобретать все большее значение как самостоятельный вид искусства.

Технологически, японские гравюры на дереве – это обрезные ксилографии.

Клише для нех изготовлялись на продольном срезе грушевого или вишневого дерева. Эскиз художника накладывался на доску, и все линии обрезались с двух сторон острым ножом. При этом, плавность рисунка древесных волокон не могла не сказываться на ее линеарном строе. Первоначально, гравюра была одноцветной, и весь сравнительно небольшой тираж подкрашивался от руки, что придавало произведениям особое очарование непосредственности и рукотворности.

Влюбленные. 1680-е. гг. Х.Моронобу.

Ранний период развития японской гравюры датируется 1680 – 1760 годами. Первым выдающимся мастером был Хисикава Моронобу (1618 – 1694). Его станковая графика на любовно-лирические и жанровые темы отличалась каллиграфической выразительностью линий, прославлением земной красоты, декоративностью, подчеркнутым стремлением к цветности. Большинство произведений Хисикава Моронобу имели горизонтальный формат, родственный формату книжного разворота. С книгой их роднили и виньетки в углах листа.

Киото. 1716-1748 гг. О.Масанобу.

У Окумура Масанобу, также выдающегося мастера этого периода, наблюдался более самостоятельный подход к станковой гравюре. Хотя он еще предпочитал горизонтальные форматы, но использовал и вертикальные, уже никак не связанные с книгой. К 1740-м годам в гравюре была выработана техника двух-трехцветной печати, и Масанобу, изображая изысканные наряды своих героинь и атрибуты внешнего вида героев, охотно ее применял. Линии в гравюрах Масанобу стали тоньше, изящнее, художник употреблял их целенаправленно: лица героев обрисовывались тонко, а детали обстановки или контуры одежды шире, что придавало гравюре многообразие выразительных средств. Окумура Масанобу работал и в области театральной графики, но не был в ней таким новатором и энтузиастом, как Киёнобу. Он предпочитал сюжеты, которые были ближе к теме женской красоты. Следует сказать, что по традиции все роли в театре Кабуки исполняли мужчины. Художник избрал для себя тему актеров-юношей исполнителей женских ролей. На то, что они юноши, указывали лишь маленькие фиолетовые шапочки, закрывающие выбритый, как и подобало мужчине, лоб.

Тории Кнёнобу (1644 – 1729) – театральный художник японской гравюры, изображавший акторов театра Кабуки в самые драматические моменты представления.

Он учился у своего отца, актера и графика, и стал основателем династии театральных художников Тории. 15 его работах оформился жанр “якуся-э” – портреты актеров, появлявшихся на афишах, программах, плакатах и в станковой гравюре. Плакатность, легкая читаемость, укрупненность черт сказывались во всех произведениях Киёнобу. Ему удалось передать в гравюре всю динамику и драматизм сцен Кабуки, найти графический эквивалент героическому исполнительскому стилю арагото. Располагая парные композиции из двух борющихся актеров на вертикальном листе бумаги, Тории Киёнобу внес в композицию такое движение и страсть, каких до него гравюра не знала. Многие герои художника (как это было и в Кабуки) изображались полуобнаженными, причем все тело гримировалось в красный цвет цвет справедливой ярости и силы. Актеры запечатлялись в момент наивысшего напряжения так называемые кульминационные моменты миэ, специально предназначенные для того, чтобы зритель зафиксировал на них взгляд. Герои как бы говорили: посмотрите на нас какие мы сильные и могучие, как непримирима наша схватка. И художник старался передать саму суть их эмоций. Для этого он использовал специально им же изобретенные мазки мимидзугаки (червеобразные) в передаче напрягшихся мускулов, прием хётан-аси (уподобление мускулистых ног тыкве-горлянке), да и все линейное решение гравюры свидетельствовало о напряженности каждой линии и мазка.

Актеры театра Кабуки. 1714 г. Т.Киёнобу.

В театральных японских гравюрах с самого начала широко использовались изображения монов – фамильных гербов актеров, украшавших их кимоно.

Моны, сами по себе, шедевры миниатюрной графики, выполненные в контрастной манере. Применение в гравюре, вдвойне подчеркнуло их красоту и графическую выразительность. На втором этапе развития гравюры (середина 1760 – 1800-х годов) расширился круг тематики, более ярким и глубоким стало раскрытие эмоционального мира человека, выявление характерных черт его внешнего облика. Это время нередко называют золотым веком японской гравюры. Оно ознаменовано деятельностью крупнейших художников, применявших листы разных размеров и развитую технику многоцветной печати. Первым мастером, который начал работать в этой технике, был Судзуки Харунобу. Он не только внес в искусство ксилографии технические новшества, но и использовал ее возможности в передаче сложного эмоционального состояния своих героев и героинь. Харунобу применял богатую цветовую гамму, получаемую при печатании с семи и более досок, и такой прием как раскат, создающий плавный переход от темного к светлому. Главное, он использовал великое множество разных по характеру линий: и толстых черных, и цветных, и тисненых, дающих едва заметную впадину на мягкой бумаге. Харунобу создатель нового идеала женской красоты: юной девушки с изящной тонкой фигурой.

Осэн с буйволом. 1760-е гг. С.Харунобу.

Прототипом ее послужила реальная женщина дочь зеленщика Осэн, в честь которой современными городскими франтами слагались стихи и песни. В одной из гравюр Харунобу показал Осэн, ведущую буйвола, нагруженного двумя огромными плетеными корзинами, а в корзинах любовные признания и письма. Так, в образной форме, художник дал понять зрителю, насколько славилась красота Осэн. Харунобу рисовал своих героинь и в интерьере, и (что не вполне привычно для более ранней гравюры) на лоне природы. Знаменитая гравюра Харунобу Влюбленные в заснеженном саду свидетельствует о тонком лирическом начале, которое гравюра могла выразить через пейзажные фоны.

Параллельно с Харунобу работали и театральные графики, как прежней династии Тории, так и вытеснившие ее представители семьи Кацукава.

Произведения театральной графики в численном отношении составляют около половины всех японских гравюр. Велика и их художественная значимость. Им свойственны разнообразие тем, драматизм, декоративные эффекты, заимствованные из театра Кабуки. Основателем династии Кацукава был Кацукава Сюнсё (1726 – 1792), который почти всю жизнь посвятил театральной теме. Благодаря ему, она получила свое развитие усвоив все достижения полихромной гравюры. Каждый образ Сюнсё неповторим. Это и центральные героические роли, и лирические женские, играемые лучшими актерами. В композициях Кацукава Сюнсё можно нередко встретить новую форму триптих, появление которого было связано с желанием показать не только одного исполнителя, но и весь основной состав действующих лиц. Сюнсё вплотную приблизился к изучению исполнительского искусства, проник даже за кулисы, где выдающиеся актеры репетировали, одевались, гримировались, размышляли о спектаклях. Помещения, отведенные для этого, назывались зелеными комнатами, и Сюнсё создал специальную жанровую разновидность гравюры зеленые комнаты. Ученики и последователи Сюнсё продолжали творческие поиски учителя, стараясь все больше приблизиться к актеру, конкретнее передать его внешность.

Кацукава Сюнсё (1743 – 1812), например, выполнил первые погрудные изображения актеров на веерах и плакатах, а Кацукава Сюнэй (1762 – 1819) исполнил погрудные композиции-портреты на листах большого размера. Китао Сигэмаса (1739-1820) был основателем школы Китао. Для нее характерно стремление передать сходство в портретах знаменитых красавиц. Произведения Китао Сигэмаса считались примером хорошего вкуса в искусстве укиё-э. Его героини необычайно изысканны, их костюмы драпировались благородными складками, общая композиция всегда гармонично выстроена из многообразия линий и контуров.

Вечерняя прохлада га берегу реки Окава. 1780-е гг. Т.Киёнага.

Тории Киёнага (1752 – 1815) – представитель известной династии Тории, к удивлению современников, отверг свое знатное имя и подписывался только Киёнага.

Этим он выразил уход от театральной тематики, от ставших для него тесными канонов поздних Тории. И действительно, художник завоевал славу и без знатной фамилии. Достаточно сказать, что он был учителем великого Утамаро. Киёнага посвятил жизнь воспеванию красоты женщин, хотя иногда обращался и к театру. Большинство ксилографий художника изображают бытовые сцены, прогулки и шествия, знаменитых красавиц и даже (вопреки запретам) светскую жизнь. Для героев Киёнага характерно достоинство, спокойствие и изящество. Его образы идеальны. Фигуры имели удлиненные пропорции и располагались на листе в спокойном ритме шествия.

В квартале Минами. 1783 г. Т.Киёнага.

Тонкий овал лица, маленький рот, миндалевидные глаза и черные густые брови эти черты художник характерны почти для всех персонажей. В Кабуки, среди исторических пьес, он предпочитал пьесы из придворной жизни, романтические истории все, что так или иначе подразумевало действие героев высшего света. При их изображении, Киёнага избегал наивной роскоши и напыщенности. Одежды персонажей не отвлекали взгляда от силуэта фигур, применяемый орнамент не был назойлив, часто встречались гладкие черные кимоно. Художник одним из первых показал красоту и особую изысканность черного цвета в полихромной гравюре. Удивительны его графические листы, на которых фигуры представлены на фоне пейзажа. Это знаменитые триптихи Двенадцать месяцев на юге. Но, вероятно, самой привлекательной гравюрой является Вечерняя прохлада на берегу Окавы, где три красавицы, присев на помост, подставляют свои разгоряченные лица первому вечернему ветерку. В самом повороте голов девушек чувствуется, что они ощущают прохладу, и это невольно передается зрителю.

Час змеи. 1795 г. К.Утамаро.

Киёнага не занимался портретированием. Эту задачу решил его прославленный ученик Китагава Утамаро (1753 – 1806) – один из лучших мастеров японской гравюры.

Только в 1790-х годах он выступил с самостоятельными работами, но его произведения сразу же получили повсеместное признание. С помощью плавной, текучей линии, то обобщающей объем, то тонко подчеркивающей детали, он создал изящный образ женской красоты утонченными чертами лица, приподнятыми, словно в удивлении, черными бровями и маленьким алым ртом, который вскоре стал воплощением национального идеала красоты. Художник прибегал к приемам, способным сделать восприятие произведения более острым тени на бумажной стене выявляли красоту силуэта фигуры, прозрачные ткани, прикрывающие лицо, придавали оттенок таинственности, рама зеркала подчеркивала четкость овала отраженного в нем лица. Сохраняя черты идеализации, Утамаро стремился выявить в портретах характер, различие примет внешности, темперамента, привычек поведения (серии Десять женских характеров, Дни и часы женщин). При этом, героини картин художника не лишены жизненной достоверности. Особенно, это присуще композициям на бытовые темы: серии Шелководство, Женщины за шитьем. Внимание к человеку и его характеру отразился в работах серии Большие головы. В них талант художника проявился наиболее ярко. Ксилографии выполнены в сложной технике полихромией печати на листах большого размера. Художник применил слюдяной порошок, дающий эффект серебристого мерцающего фона.

Три прославленных красавицы. 1795 г. К.Утамаро.

Если конец XVII века в жанровых японских гравюрах прошел под эгидой Утамаро и его последователей, то в театральной гравюре также появилась фигура, не имеющая себе равных. Это – Тосюсай Сяраку (1770 – 1825).

О жизни графика не сохранилось никаких свидетельств, кроме ста пятидесяти великолепных гравюр, в большинстве своем театральных. Сяраку проявил себя сразу зрелым мастером; еще более загадочно то, что уже первые его произведения изданы самым знаменитым издателем в наилучшем из возможных вариантов в крупном формате, на серебряных фонах, несколькими сериями. Сколько ни гадали ученые о настоящем имени (Сяраку псевдоним) и происхождении, все усилия раскрыть тайну оказались тщетными. Он настолько выделялся среди современных мастеров гравюры, что подыскать близких ему художников, которые могли бы оказаться его учителями или учениками, невозможно. Погрудные портреты актеров отличались как смелостью и артистизмом исполнения, так и предельно эмоциональной выразительностью. В них, стремление к характерности (постепенно нараставшее в театральной гравюре второй половины XVIII века) достигло своего апогея. Художник работал меньше года всего девять месяцев в 1794 и 1795 годах, и внезапное и полное исчезновение его столь же необъяснимо, как и внезапное появление. Но, несмотря на кратковременность художественной карьеры, он успел войти в историю как выдающийся мастер театральной японской гравюры.

Большая волна в Канагаве, 18231831 гг. К.Хокусай.

В XIX столетии, после таких фигур, как Утамаро и Сяраку, мало кто мог сравниться с ними в прежних жанрах изображении актеров и красавиц. Но именно в XIX веке в гравюре появляется пейзаж, с которым связан последний расцвет классической японской ксилографии.

Самый выдающийся пейзажист эпохи – Кацусика Хокусай (1760 – 1849).

В ранние годы он примыкал к школе Кацукава, чьи приемы эмоционально яркой трактовки человеческого образа воплотились в книжных иллюстрациях и театральных гравюрах. В дальнейшем, Хокусай изучал также классическую живопись Китая и Японии. Об овладении богатой художественной традицией классического Востока свидетельствует его многотомник рисунков Манга, изданный в 1812 – 1871 годах. В него вошли книги с изображением пейзажей, цветов, птиц, насекомых, животных, а также меткие жанровые зарисовки и тщательные штудии человеческого лица, мимики и жестикуляции. С 1820-х годов основной темой Хокусая стал пейзаж.

Женщина, зажигающая лампу. 1840-е гг. У.Кунисада.

В сериях гравюр вытянутого, вертикального формата Новые мосты в различных провинциях, Путешествие по водопадам различных провинций, Поэты Китая и Японии общая отвлеченная трактовка пейзажа, соответствующая средневековой традиции, сочеталась с достоверно изображенными мотивами японского ландшафта. Самая знаменитая серия Хокусая 36 видов Фудзи, в действительности, содержит сорок шесть пейзажей. В этой серии священная гора Японии предстает как символ страны. Хокусай проявил немалую изобретательность, чтобы показать Фудзияму с самых разных, порой неожиданных точек зрения. На картинах художника гора предстает: то величественной, на первом плане (Южный ветер. Хорошая погода, Гроза), то отдалившейся от зрителя, обрамленной завитком волны, или вписанной в круг огромной бочки, которую мастерит на побережье искусный мастеровой. Фигуры людей, которые художник нередко отображал на переднем плане своих работ – неслучайная деталь, а изображение народа, который символизирует Фудзи.

Станция Камбара. Серия 56 станций Токайдо. 1833 г. А.Хиросигэ.

Наряду с величественным образом природы, созданным Хокусаем, существовал тип пейзажа, проникнутый тонким лирическим чувством.

Его создателем был Андо Хиросигэ (1787 – 1858). Виртуозно, используя такие техники, как тиснение и раскат, Хиросигэ передавал зыбкие, преходящие состояния природы, атмосферные эффекты снега, тумана, дождя, уникальное настроение от различных частей страны. Наибольшую известность художнику принесла серия 56 станций Токайдо, т.е дороги, соединившей новую столицу Эдо со старой Киото. Эта серия (1833 – 1834 гг.) запечатлела обаяние японской провинции. Длительное время художник разрабатывал темы путешествий по стране, достопримечательных мест провинции, городов Эдо и Киото.

Ласточки и камелии под снегом. 1832 г. А.Хиросигэ.

В гравюрах чувствуется выдающаяся индивидуальность манеры работы мастера, сумевшего в каждом из сотен пейзажей увидеть его самобытность и красоту. Хиросигэ проявил себя также большим мастером жанра цветы и птицы. Известная гравюра художника Ласточки и камелии в снегу (около 1830 г.) тонко передает ощущение первых холодов, покрывших снегом ветви камелий, заставивших ласточек взъерошить свои перья.

Красавица, пишущая письмо. 1840 г. А.Хиросигэ.

У Андо Хиросигэ, так же как у Кацусика Хокусая, было немало подражателей. Среди них Андо Хиросигэ II (1826 – 1869) и многие другие. Пробовали свои силы в пейзаже и представители театральной династии Утагава, которые в XIX веке образовали широко известную и разветвленную школу своего рода предприятие по выпуску театральных гравюр. Но, за рядом исключений, художники Утагава в XIX веке не создали сколько нибудь значительных произведений, в том числе и в жанре пейзажа. Хокусай и Хиросигэ остались двумя мастерами, с именами которых связаны наивысшие достижения классической японской гравюры.

При подготовке публикации были использованы материалы статьи “Японская классическая гравюра” Е.Сердюка, М.1982 г.