Сменим тон наших подборок на весьма популярный в узких кругах мультипликационный жанр – аниме. Время самоизоляции, которого вроде бы осталось не так много, идеально подходит для изучения чего-то нового, а японская анимация определённо заслуживает внимания ценителей кинематографа. Представляем список из нескольких режиссёров, с творчества которых рекомендуем начать знакомство с полнометражной японской анимацией (про сериалы-аниме мы поговорим в другой раз).
Сюжет: Новинки кино
Что такое аниме? Для чайников поясним, что исконно аниме – это вся японская анимация. Многие причисляют к аниме анимацию из других стран восточно-азиатского региона (главным образом Китая и Южной Кореи). Большая часть аниме ориентирована на подростковую и взрослую аудиторию, а не на детей, что разительно отличает ее от заокеанской и европейской анимации, в которых основная масса продуктов имеет детскую или преимущественно детскую ориентацию. Корнями аниме уходит в японскую мангу – национальный жанр комиксов, имеющих еще более древнюю историю и считающихся одними из самых древних комиксов в мире. Помимо манги основой для аниме может стать ранобэ (более приближенная к обычным литературным новеллам манга), компьютерные игры или же оригинальный сюжет.
Первоначальный базовый стиль анимации японские мультипликаторы позаимствовали еще у довоенных мультфильмов студии «Disney». Основная масса произведений в стиле аниме выходила и выходит в виде телевизионных или видео-сериалов, тогда как на полноценные полнометражки приходится не такой большой процент произведений. В нашей подборке рассмотрены только полнометражные
аниме-фильмы и их создатели!
Читайте также: Япония: Клен, онсэн и страна как произведение искусства
Хаяо Миядзаки
Дедушка Хаяо
объективно самый известный творец аниме
(режиссер, продюсер, сценарист и писатель)
, выведший жанр на совсем другие ступени качества и мирового признания за границами Японии.
Родился Хаяо в послевоенной Японии, в семье владельца авиационной фабрики. Его мать была больна туберкулезом спинного мозга, что накладывало свой отпечаток на их образе жизни – они часто переезжали. С детства будущий режиссер увлекался чтением манги (это такие японские комиксы)
. Он пробовал рисовать мангу сам, стараясь выработать собственный стиль и отточить мастерство рисовки.
Уже в старших классах Хаяо решил стать аниматором. И, хотя в дальнейшем он обучался на факультете политики и экономики, первой ступенью в карьере молодого Миядзаки стала должность фазовщика в одной из японских студий. Там, благодаря таланту, он продвинулся на должность аниматора и познакомился с Исао Такахарой
– будущим верным другом и партнером по созданию аниме. После уже вместе они поменяли несколько студий и выпустили ряд совместных проектов, прежде чем Миядзаки снял свой первый успешный
(и коммерчески, и художественно)
анимационный фильм «Навсикая из Долины ветров».
«Навсикая из долины ветров» (1984), реж. Хаяо Миядзаки
Помимо необычайного сеттинга и весьма оригинальной истории, картина явно пропагандировала бережное отношение к окружающей среде и охрану природы. В 1985 году Миядзаки, Такахата, Токума и Судзуки основывают собственную студию Studio Ghibli, которая сперва покорила внутренний японский рынок («Небесный замок Лапута», «Мой сосед Тоторо», «Могила светлячков», «Ведьмина служба доставки», «Порко Россо»)
, а спустя десятилетие вышла на мировой рынок
(«Принцесса Мононокэ», «Унесённые призраками», «Ходячий замок», «Сказания Земноморья» и другие)
.
«Мой сосед Тоторо» (1988), реж. Хаяо Миядзаки
Чтобы подробно описать даже самые значительные творения Миядзаки, не хватит и дюжины подобных статей. Дабы немного сориентировать читателей, мы порекомендуем начать знакомство с творчеством этого режиссера с одной из следующих лент: «Унесенные призраками», «Ходячий замок», «Принцесса Мононоке» и «Мой сосед Тоторо». Именно в них, на наш взгляд, творческий стиль режиссера наиболее заметен. Миядзаки в одинаковой степени вдохновлялся для своих работ как японскими народными сказаниями, персонажами мифологии и сказок, так и европейскими. Этот крайне необычайный коктейль из двух совершенно разных культур является отражением современной Японии, которая одной ногой прочно стоит в своих исторических традициях, а второй уже вполне успешно шагнула в будущее.
Фэнтезийные миры Миядзаки отличаются высочайшей степенью оригинальности; они целостны и подчиняются собственным законам, не делая скидки в угоду сюжета. Некоторые сцены его картин бывают жестоки и пугающи, что, однако, не делает их непригодными для детского просмотра. Аниме Миядзаки – это погружение в чудесный мир глазами ребенка, увлекательное путешествие в пространство фантазий и подвигов, магии и стимпанка, героев и демонов.
«Унесённые призраками» (2001), реж. Хаяо Миядзаки
Отдельного упоминания заслуживает рисовка и стилизация анимации. Если первые работы студии Ghibli можно упрекнуть в слишком простой, недостаточно детализированной и устаревшей картинке, то последующие картины уже твердо нащупали неповторимый стиль и особенности рисовки.
Если вы решили открыть для себя жанр аниме – начните с Миядзаки. Большинство его работ отлично подойдут и детям, и взрослым (исключая «Ветер крепчает» и «Могила светлячков» – это для более зрелой и устойчивой публики)
Читайте также: — студенческий совет в японских школах. :crossed_flags:
.
Хаяо Миядзаки является обладателем множества престижных кинопремий, в том числе Оскара за лучший анимационный фильм («Унесенные призраками»)
и почетного Оскара за вклад в киноискусство.
Коротенькая справка
Аниме — это, по сути, японская производная мультипликационных фильмов, созданных на Западе и в США. Начало истории этого жанра связывают с первыми экспериментами режиссеров Страны восходящего солнца еще в начале прошлого века. Позаимствовав у первооткрывателей некоторые технологии и добавив немного своих традиций и особенностей, манга-авторы создали настоящие шедевры, которые смогли менее чем за полвека покорить весь мир.
Сатоси Кон
Менее известный и скоропостижно скончавшийся на пике своей карьеры режиссер, тем не менее, внесший весомый вклад и ставший для многих поклонником культовым творцом аниме.
Кон родился в середине 60-х годов и с самого детства начал увлекаться мангой, аниме и западными комиксами. Под впечатлением он занялся рисованием. Выучившись на художника, он с 90-го года начал выпускать свои собственные работы на студии Madhouse.
Сатоси Кон
за свою недолгую карьеру успел выпустить лишь четыре полнометражных аниме-фильма. «Идеальная грусть» стала визитной карточкой режиссера, чей жанр можно охарактеризовать как психологический драматический триллер. Эта лента, предназначенная совсем не для детской аудитории, отличается реализмом – как в стиле рисовки, так и в происходящих на экране событиях. Это уже не фантасмагорические миры Миядзаки, но тяжелая и гнетущая реальность главной героини
(на что намекает даже само название, которое имеет несколько вариантов перевода)
, которая со стороны кажется яркой оберткой, а на деле оказывается настоящим адом.
«Актриса тысячелетия» уже более изобретательна в построении композиции – экранизируя воспоминания некогда прославленной пожилой актрисы, Кон смешивает ее реальную жизнь и ее роли в кино середины 20-го века. Это смешение реального образа персонажа и ее экранных героев, жизни и вымысла, протекает через всю картину, что придает этому аниме необычайную стройность и неожиданную многослойность. Детям это будет смотреть тяжеловато. «Однажды в Токио» является более простой рождественской притчей, доброй и приятной, но с ощутимым социальным подтекстом.
«Идеальная грусть» (1998), реж. Сатоси Кон
Но главной его картиной мы считаем «Паприку», где на довольно незамысловатый сюжет и стандартный детективный сценарий надета потрясающая психоделически-сюрреалистическая оболочка. Визуальная часть «Паприки» в моментах совмещения мира сновидений и реального мира поистине поражает безграничностью форм и легким безумием происходящего. Это уже полноценное совмещение реализма и мира грез спящего сознания в крайне красочной форме показывает, какими могут быть сны наяву.
Ни одно из аниме Сатоси Кона нельзя порекомендовать для детей. Подросткам – да, но дети не оценят реализма, а некоторые сцены могут их немного шокировать. Зато серьезные взрослые, которым по каким-либо причинам не зашла сказочность работ Миядзаки, могут вполне принять работы Кона, которые по сути являются авторскими артхаусными лентами от мира аниме.
«Паприка» (2006), реж. Сатоси Кон
В возрасте 46 лет Сатоси Кон скончался от рака поджелудочной железы, что для миллионов фанатов этого режиссера стало трагедией. Перед смертью Кон работал над амбициозным аниме-проектом под названием «Машина сновидений», что, должно быть, обещало развитие художественных тенденций, опробованных режиссером в «Паприке»…
Читайте также: Что едят японцы ежедневно. Что японцы едят на завтрак
Сюжет завораживает
Сюжеты картин и сериалов этого жанра очень разнообразны. Каждый сможет выбрать для себя что-то по душе. Есть аниме про любовь, дружбу и предательство, необычные явления, о пришельцах и технологиях будущего, о сражениях и подвигах воинов или целых армий. В общем, исторические, романтические, драматические, триллеры, мистика, фантастика – все, как в привычном мире полнометражных художественных фильмов и телевизионных сериалов.
Макото Синкай
Этот создатель аниме из нового поколения, чья работа «Твоё имя» стала самым кассовым аниме за всю историю.
Родился Синкай в 1973 году в Нагано, но для учёбы перебрался в Токио. После обучения устроился на работу в студию Minori, где первые годы занимался разноплановой работой. Дальше Синкаю доверили работу над короткометражками и 3D анимацией для компьютерных игр, которые стали пользоваться успехом. С началом «нулевых» Макото сосредотачивается на собственных проектах и выпускает первое полнометражное аниме — научно-фантастическую мелодраму «За облаками». Спустя несколько лет выходит его вторая полноценная лента «Пять сантиметров в секунду», рассказывающая о любви двух подростков, разделенных расстоянием. Уже в ней ощущается невероятная трогательность, легкость и лиричность работ Синкая, упор на которые он сделает в последующем. Тема расставания, отдаленности и любовных переживаний основательно заняли центральное место в творчестве Синкая, под тем или иным ракурсом передаваясь во всех его последующих работах. В 2011 году он выпускает в прокат новое аниме — «Ловцы забытых голосов». В отличие от «Пяти сантиметров в секунду» это уже не реалистичная драма, но приключенческое фэнтези. Правда, от накала трагизма и давления на эмоции в финале Синкай не отказался, что, на самом деле, только скрасило эту его работу и уже стало неофициальной визитной карточкой режиссера.
«Сад изящных слов» увидел свет в 2013 году. В этой работе режиссер вновь возвращается в рамки привычной реальности, где рассказывает практически камерную, крайне трогательную, нежную, но в то же время тяжелую историю любви старшеклассника и взрослой девушки. Здесь лирический посыл аккуратно затрагивает базовые принципы социальной иерархии и все еще сохранившиеся строгости и предубеждений традиционного японского общества.
«Твоё имя» появилось в 2020 году и сразу стало хитом, побив все рекорды по кассовым сборам в стране и мире. Фантастическая история об обмене телами между двумя подростками, перемещение сознания во времени и пространстве, а также нависшая смертельная опасность делают сюжет этой картины весьма самобытным, хоть и не оригинальным в основных своих составляющих. Подростки и взрослые тепло приняли эту историю, которая, возможно, и не является самым выразительным фильмом Синкая, но определенно наиболее полноценным и увлекательным. Помимо романтических и любовных переживаний фильм имеет неплохой научно-фантастический стержень, который двигает приключенческую линию. Как и в предыдущем аниме, здесь отдана должная честь японским традициям, которые в городах понемногу утрачивают вес, но в деревнях и селах процветают по сей день.
«Твоё имя» (2016), реж. Макото Синкай
«Дитя погоды» (2019), реж. Макото Синкай
Последний на 2020 год фильм режиссера «Дитя погоды» вновь знакомит зрителей с историей дружбы двух подростков, которая развивается параллельно мистической составляющей и социально-реалистичного подтекста о трудностях рабочих низов в Токио. Естественно, без любовной линии подростков не обошлось – это лейтмотив всего творчества Синкая. При всем этом, картина явно свидетельствует о весьма своеобразной любви режиссера к Токио.
Пытаясь нащупать собственный путь, Синкай решил сделать упор на реализме, и в первую очередь но реализме картинки. Но реализм в его интерпретации делает акцент на светлых сторонах окружающего мира, что дарит зрителям непередаваемо красивые «задники» (фон в аниме, который, как правило, рисовался без тщательной детализации и прорисовки, и одним из первых, кто обратил на них внимание был Миядзаки)
.
Макото Синкай как никто другой из этого списка хорошо подойдет подросткам – романтичным, переживающим трудности первой любви, страдающим и ослепленным переполняющим фонтаном эмоций. Но и взрослые не смогут не проникнуться тем очарованием, необычайной чувственностью, красотой повседневности и натуральности живых эмоций, что таят в себе работы этого режиссера.
Мамору Хосода
Родился будущий режиссер и сценарист в 1967 году, и уже с юных лет его увлекла мультипликация. Еще дома он пробовал снимать свои собственные мультфильмы. Окончив колледж искусств, пытался поступить на курсы в Studio Ghibli (вотчину тогда уже матерого Миядзаки)
, но не смог пройти по конкурсу. Поэтому устроился на работу аниматором в студию Toei Animation, где участвовал в создании известных и не очень аниме-сериалов и полнометражных лент. В начале нулевых к
Хосоде
пришел первый успех, позволивший создать собственную авторскую короткометражку. В 2006 году Хосода выпустил свой первый и лучший на данный момент полнометражный аниме-фильм — «Девочка, покорившая время», основанный на одноименной манге.
«Мирай из будущего» (2018), реж. Мамору Хосода
Эта лента рассказывает о девочке, которая по случайному стечению обстоятельств обнаружила прибор, с помощью которого можно перемещаться во времени и изменять свое прошлое. Она не сразу смогла понять, что, изменяя свое прошлое в лучшую сторону, будущее окружающих ее друзей изменяется в худшую. Редкий фильм про путешествие во времени обходится без логических дыр и парадоксов, но здесь Хосода поднимая не новую тему, придает ей особую тональность. Морально-нравственные посылы, складный сюжет и хорошо проработанные образы главных героев позволили этому аниме стать успешным даже несмотря на рамки ограниченного проката внутри страны.
Спустя три года на волне успеха Мамору выпускает сразу две картины – «Летние войны» и «Волчьи дети Амэ и Юки». И если первая картина была довольно оптимистичным, приключенческим научно-фантастическим аниме, то вторая разительно отличалась по настрою в сторону трагизма и фэнтезийного реализма. Спустя пять лет в 2020 году в прокат вышла очередная работа режиссера – «Дитя чудовища», лентой масштабной и весьма амбициозной. Действие картины развивается параллельно в человеческом и сверхъестественном мире, населенным антропоморфными зверьми. Живут они в нем примерно как люди несколько столетий назад, только с магией. Главный герой – парень, потерявший мать, попадает в тот мир и набивается в ученики к мастеру боевых искусств с крайне скверным характером. Здесь Хосода вновь пытается исследовать внутрисемейные отношения детей и взрослых, попутно рассказывая достаточно динамичную и увлекательную историю.
В 2020 году вышло последнее на данный момент аниме этого режиссера – «Мирай из будущего». Действие ленты происходит в далеком будущем, а в центре сюжета вновь оказываются семейные отношения, на этот раз брата и сестры.
«Девочка, покорившая время» (2006), реж. Мамору Хосода
Аниме Мамору Хосоды вполне подойдут и детям, и взрослым. Он мастерски сочетает в своих работах развлекательное и поучительное, драматизм и юмор, непосредственность и самобытность. Стиль его картин мало чем отличается от коллег по цеху, не имея ярко выраженных черт (как, например, у того же Синкая). Но аниме этого режиссера обладают своей тонкой непередаваемой атмосферой, которая намекает на то, что для Хосоды содержание его работ превалирует над формой. Тема семьи и взаимоотношений ее членов является основным элементом в нарративной составляющей всех работ Хосоды. Эта тематика никогда не устареет. Исследуя различные ситуации и примеры, режиссер сплетает в свои работы некоторые автобиографические штрихи. Именно смысловые акценты делают аниме Мамору Хосоды оригинальными на фоне его коллег по цеху.
Яркая внешность
Кроме всего прочего, аниме — это еще и сложная система графического представления людей, их характеров и эмоций. Тут есть свои особенности и строгие правила. Во-первых, внешность героев всегда ярко выраженная – европейский разрез огромных глаз, заимствованный из диснеевской мультипликации. И это неспроста! С помощью больших глаз, художники аниме передают эмоции и характер героя. Примечательным является то, что выражения лиц персонажей одинаковы во всех картинах, что позволяет зрителю без труда определить, что думает герой и что чувствует, является ли он положительным или отрицательным, при просмотре любого фильма этого жанра. Остальные черты лица, как правило, прорисованы слабо и не несут смысловой нагрузки.
На вопрос, что такое аниме, многие ответят, что это мультфильмы, в которых у героев большие глаза и цветные волосы. И это будет правдой! Второй отличительной чертой этих произведений являются диковинные прически персонажей. Они, как правило, состоят из прядей, а вот разнообразие их длины и цветов просто поражает воображение. И у этого тоже есть свой смысл. Прическа и одежда позволяют буквально с первого взгляда определить характер и особенности персонажа. Этот вызвано прежде всего тем фактом, что абсолютное большинство самих японцев от рождения имеют темные волосы, а их окрашивание или осветление консервативной нацией воспринимается как протест и вызов обществу.
Мамору Осии
Мамору Осии
Читайте также: Осень в Японии: 10 замечательно красивых мест, которые просто необходимо увидеть
родился в 1951 году и стал младшим среди трех братьев семейства. В школе он серьезно увлекался научной фантастикой и планировал в будущем стать писателем-фантастом. В старших классах Мамору был бунтарем — участвовал в демонстрациях и протестных акциях, что наложило отпечаток на все его творчество. В 1977 году – через год после окончания Токийского университета, Осии устроился на работу в анимационную студию Tatsunoko Production, где состоялся его первый режиссерский дебют. Но полноценная независимая режиссерская работа вышла только в 1985 году. После он принял участие в постановке двух полнометражных аниме – «Полиция будущего» и «Полиция будущего: Восстание». Следствием их успеха стало его назначение на должность режиссера в анимационную адаптацию популярной манги «Призрак в доспехах». Сюжет расскажет о мире недалекого будущего, где вовсю практикуется операция по переносу сознания человека в человекоподобное роботизированное тело. Главная героиня аниме — офицер полиции под кодовым прозвищем Майор. Она работает в отряде, расследующем кибер-преступления. Они выходят на след хакера, который называет себя Кукловод. Это изобретательный и хитрый преступник оказывается не совсем тем, за кого себя выдавал, а его истинные цели поражают воображение.
Именно это произведение стало одним из самых известных аниме не только в Японии, но и за ее пределами. Невероятная популярность на Западе была обусловлена высоким качеством как исполнения, так и всего сюжета аниме, который под оболочкой нуарного фантастического детектива с несколькими отличными боевыми сценами прячет целый пласт постмодернистской философии, пропитанной трансгрессией. Последняя присуща многим фантастическим аниме, но свою крайнюю выразительность обретает именно в «Призраке в доспехах». Изящное и стильное аниме в одночасье становится хитом и обзаводится аниме-сериалом и полнометражным сиквелом, который поставил тоже Мамору Осии. Немного сбавив в философских посылах, аниме все еще сохраняло неонуарную атмосферу, а также обзавелось новыми визуальными стилистическим особенностями. И уж точно не опорочило честь оригинала.
В 2020 году Голливуд снял свою киноадаптацию «Призрака в доспехах»
, которая уступала оригиналу по всем фронтам, кроме, возможно, спецэффектов. Смотреть ее мы не рекомендуем!
«Призрак в доспехах» (1995), реж. Мамору Осии
В жизни, как в кино …
Есть в мире люди, которые не просто знают все об аниме, но и буквально живут в этом нарисованном мире. Молодежь во многих странах, а особенно, конечно же, в Японии, создала целый культурный пласт, основанный на сюжетах любимых фильмов. Юноши и девушки ставят себе контактные линзы, чтобы передать цвет глаз, остригают и красят волосы в самые безумные цвета, наносят сложный макияж, шьют на заказ или покупают в специализированных магазинах точную копию одежды, а некоторые даже, делают пластические операции, чтобы быть максимально похожими на своих героев. Они развлекаются, дружат и ссорятся, влюбляются и строят отношения, создают семьи и рожают детей. В общем, делают все то же, что и обычные молодые люди во всем мире, только в своем необычном стиле. Что такое аниме для них? Это не просто мультики, это целая вселенная, их жизнь и мир. Они совершенно ничего не знают о реальности и, в общем-то, не стремятся узнать.
